м и Русскими симфоническими концертами. После смерти основателя фирмы (1904) Глазунов вместе с Римским-Корсаковым и А. Лядовым вошел в состав Попечительского совета для поощрения русских композиторов и музыкантов, созданного по завещанию и на средства Беляева. На музыкально-общественном поприще Глазунов обладал большим авторитетом. Уважение коллег к его мастерству и опыту опиралось на прочный фундамент: принципиальность, основательность и кристальную честность музыканта. С особой требовательностью композитор оценивал свое творчество, нередко переживая мучительные сомнения. Эти качества давали силы для подвижнической работы над сочинениями ушедшего из жизни друга: музыка Бородина, уже звучавшая в исполнении автора, но не записанная из-за его внезапной смерти, была спасена благодаря феноменальной памяти Глазунова. Так была завершена (совместно с Римским-Корсаковым) опера _Князь Игорь_, восстановлена по памяти и оркестрована 2 часть Третьей симфонии. В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. - руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с Лядовым вышли из состава профессоров. Через несколько дней Глазунов дирижировал оперой Римского-Корсакова _Кащей Бессмертный_, поставленной силами консерваторских студентов. Спектакль, насыщенный злободневными политическими ассоциациями, закончился стихийным митингом. Глазунов вспоминал: _Я тогда рисковал быть выселенным из Петербурга, но тем не менее я согласился на это_. Как отклик на революционные события 1905 г. появилась обработка песни _Эй, ухнем_! для хора и оркестра. Лишь после предоставления консерватории автономии Глазунов вернулся к преподаванию. Вновь став директором, он с присущей ему обстоятельностью вникал во все детали учебного процесса. И хотя в письмах композитор жаловался: _Я так перегружен консерваторской работой, что я не успеваю о чем-либо думать, как только о заботах настоящего дня_, - общение с учениками стало для него насущной необходимостью. Молодежь также тянулась к Глазунову, чувствуя в нем истинного мастера и учителя. Постепенно просветительские, учебные задачи стали для Глазунова основными, потеснив композиторские замыслы. Особенно широко развернулась его педагогическая и общественно-музыкальная работа в годы революции и гражданской войны. Мастера интересовало все: и конкурсы самодеятельных артистов, и дирижерские выступления, и общение со студенчеством, и обеспечение нормального быта профессоров и учащихся в условиях разрухи. Деятельность Глазунова получила всеобщее признание: в 1921 г. он был удостоен звания народного артиста. Связь с консерваторией не прерывалась до конца жизни мастера. Последние годы (1928-36) стареющий композитор провел за границей. Болезни преследовали его, гастрольные поездки утомляли. Но Глазунов неизменно возвращался мыслями к Родине, к соратникам, к консерваторским делам. Он писал коллегам и друзьям: _Мне вас всех недостает_. Умер Глазунов в Париже. В 1972 г. его прах перевезен в Ленинград и захоронен в Александро-Невской лавре. Путь Глазунова в музыке охватывает около полувека. В нем были подъемы и спады. Вдали от Родины Глазунов почти ничего не сочинял, за исключением двух инструментальных концертов (для саксофона и виолончели) и двух квартетов. Основной взлет его творчества приходится на 80-90-е гг. XIX в. и начало 1900-х гг. Несмотря на периоды творческих кризисов, на растущее число музыкально-общественных и педагогических дел, в эти годы Глазунов создал множество масштабных симфонических сочинений (поэмы, увертюры, фантазии), среди которых _Стенька Разин, Лес, Море, Кремль_, симфоническую сюиту _Из средних веков_. Тогда же появляется большинство струнных квартетов (5 из семи) и других ансамблевых произведений. Есть в творческом наследии Глазунова и инструментальные концерты (помимо упомянутых - 2 фортепианных и особенно популярный скрипичный), романсы, хоры, кантаты. Однако главные достижения композитора связаны с симфонической музыкой. Никто из отечественных композиторов конца XIX - начала XX в. не уделял жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют грандиозный цикл, возвышаясь среди произведений других жанров как массивный горный кряж на фоне холмов. Развивая классическую трактовку симфонии как многочастного цикла, дающего обобщенную картину мира средствами инструментальной музыки, Глазунов смог реализовать свой щедрый мелодический дар, безупречную логику в возведении сложных многоплановых музыкальных конструкций. Образная несхожесть симфоний Глазунова между собой лишь оттеняет внутреннее их единство, коренящееся в настойчивом стремлении композитора объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую (композиторы _Могучей кучки_). В результате синтеза этих традиций возникает новое явление - лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния, драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки. _Разлада в музыке Глазунова нет. Она - уравновешенное воплощение жизненных настроений и ощущений, отраженных в звуке_... (Б. Асафьев). В симфониях Глазунова поражает стройность и ясность архитектоники, неистощимая изобретательность в работе с тематизмом, щедрое разнообразие оркестровой палитры. Развернутыми симфоническими картинами можно назвать и балеты Глазунова, в которых связность фабулы отступает на второй план перед задачами яркой музыкальной характеристики. Самый знаменитый из них - _Раймонда_ (1897). Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд, породила многоцветие нарядных картин - празднество в средневековом замке, темпераментные испано-арабские и венгерские танцы... Музыкальное воплощение замысла чрезвычайно монументально и красочно. Особенно привлекательны массовые сцены, в которых тонко переданы приметы национального колорита. _Раймонда_ обрела долгую жизнь и в театре (начиная с первой постановки знаменитым балетмейстером М. Петипа), и на концертной эстраде (в виде сюиты). Секрет ее популярности - в благородной красоте мелодий, в точном соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца. В следующих балетах Глазунов идет по пути сжатия спектакля. Так появляются _Барышня-служанка, или Испытание Дамиса_ (1898) и _Времена года_ (1898) - одноактные балеты, созданные также в содружестве с Петипа. Сюжет в них незначителен. Первый - это изящная пастораль в духе Ватто (французского живописца XVIII в.), второй - аллегория о вечности природы, воплощенная в четырех музыкально-хореографических картинах: _Зима, Весна, Лето, Осень_. Стремление к краткости и подчеркнутая декоративность одноактных балетов Глазунова, обращение автора к эпохе XVIII в., окрашенное оттенком иронии, - все это заставляет вспомнить увлечения художников _Мира искусства_. Созвучность времени, ощущение исторической перспективы присуще Глазунову во всех жанрах. Логическая точность и рациональность конструкции, активное использование полифонии - без этих качеств невозможно представить себе облик Глазунова-симфониста. Эти же черты в разных стилистических вариантах стали важнейшими признаками музыки XX в. И хотя Глазунов оставался в русле классических традиций, многие его находки исподволь готовили художественные открытия XX в. В. Стасов назвал Глазунова _русским Самсоном_. Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. /Н. Заболотная) ГЛЕБОВ Евгений Александрович (р. 10 IX 1929, Рославль, Смоленской обл.) С творчеством Е. Глебова связаны многие лучшие страницы музыкальной культуры современной Белоруссии, прежде всего в симфоническом, балетном и кантатно-ораториальном жанрах. Несомненно тяготение композитора к крупным сценическим формам (помимо балетов им созданы опера _Твоя весна_ - 1963, оперетта _Притча о наследниках, или Скандал в преисподней_ - 1970, музыкальная комедия _Миллионерша_ - 1986). Непростым был путь Глебова в искусство - лишь в 20 лет он смог приступить к профессиональным занятиям музыкой, которая всегда была для юноши заветной мечтой. В его семье потомственных железнодорожников всегда любили петь. Еще в детстве, не зная нот, будущий композитор научился играть на гитаре, балалайке и мандолине. В 1947 г., поступив по семейной традиции в Рославльский железнодорожный техникум, Глебов не оставляет свое увлечение - он активно участвует в самодеятельности, организует хор и инструментальный ансамбль. В 1948 г. появляется первое сочинение молодого автора - песня _Студенческая прощальная_. Ее успех придал Глебову уверенность в себе. Переехав в Могилев, где он работает осмотрщиком вагонов, Глебов бывает на занятиях в местном музыкальном училище. Решающей стала встреча с известным белорусским музыкантом И. Жиновичем, который посоветовал поступать в консерваторию. В 1950 г. мечта Глебова сбылась, и уже вскоре благодаря необычайной настойчивости и целеустремленности он стал одним из лучших студентов композиторского класса профессора А. Богатырева. Много и плодотворно работая, Глебов навсегда увлекся белорусским фольклором, который глубоко вошел в его творчество. Композитор постоянно пишет произведения для оркестра белорусских народных инструментов, для различных инструментов solo. Деятельность Глебова многогранна. Уже с 1954 г. он обращается к педагогике, преподает сначала (до 1963) в минском музыкальном училище, затем ведет класс композиции в консерватории. Работа в качестве руководителя эстрадно-симфонического оркестра Гостелерадио БССР, в кино (музыкальным редактором _Беларусьфильма_), в республиканском театре юного зрителя (дирижер и композитор) активно повлияла на творчество. Так, детский репертуар остается неизменной любовью Глебова (песни, оратория _Приглашение в страну детства_ - 1973, инструментальные пьесы и др.). Однако, несмотря на разнообразие увлечений, Глебов прежде всего композитор-симфонист. Наряду с программными сочинениями (_Поэма-легенда_ - 1955; _Полесская сюита_ - 1964; _Альпийская симфония-баллада_ - 1967; 3 сюиты из балета _Избранница_ - 1969; 3 сюиты из балета _Тиль Уленшпигель_, 1973-74; Концерт для оркестра _Зов_ - 1988 и др.) Глебовым созданы 5 симфоний, 2 из которых тоже программны (Первая, _Партизанская_ - 1958 и Пятая, _К миру_ - 1985). В симфониях воплотились важнейшие черты художнической личности композитора - стремление отразить богатство окружающей жизни, сложный духовный мир современного поколения, драматизм эпохи. Не случайно одно из своих лучших произведений - Вторую симфонию (1963) - композитор посвятил молодежи. Почерку композитора свойственна острота выразительных средств, рельефность тематизма (нередко фольклорного происхождения), точное ощущение формы, прекрасное владение оркестровой палитрой, особенно щедрой в его симфонических партитурах. Необычайно интересно качества драматурга-симфониста преломились в балетах Глебова, которые заняли прочное место не только на отечественной сцене, но и были поставлены за рубежом. Большим достоинством балетной музыки композитора является ее пластичность, тесная связь с хореографией. Театральная, зрелищная природа балета определила и особую широту тем и сюжетов, обращенных к разным эпохам и странам. При этом жанр трактуется очень гибко, варьируясь от небольших характерных миниатюр, философской сказки до многоактных музыкальных драм, повествующих об исторических судьбах народа (_Мечта_ - 1961; _Белорусская партизанская_ - 1965; хореографические новеллы _Хиросима, Блюз, Фронт, Доллар, Испанский танец, Мушкетеры, Сувениры_ - 1965; _Альпийская баллада_ - 1967; _Избранница_ - 1969; _Тиль Уленшпигель_ - 1973; Три миниатюры для Ансамбля народного танца БССР - 1980; _Маленький принц_ - 1981). Искусство Глебова всегда тяготеет к гражданственности. Это ярко проявляется в его кантатно-ораториальных сочинениях. Но особое звучание в творчестве композитора приобретает столь близкая художникам Белоруссии антивоенная тема, с огромной силой прозвучавшая в балете _Альпийская баллада_ (по повести В. Быкова), в Пятой симфонии, в вокально-симфоническом цикле _Помню_ (1964) и в _Балладе памяти_ (1984), в Концерте для голоса с оркестром (1965). Творчество композитора получило всенародное признание, верный себе, Евгений Глебов продолжает своей музыкой _активно отстаивать право жить_. /Г. Жданова/ ГЛИНКА Михаил Иванович (1 VI 1804, с. Новоспасское, ныне Смоленской обл. - 15 II 1857, Берлин) Нам предстоит задача серьезная! Выработать собственный свой стиль и проложить для оперной русской музыки новую дорогу. М. Глинка Глинка... в такой степени соответствовал потребностям времени и коренной сущности своего народа, что начатое им дело процвело и выросло в самое короткое время и дало такие плоды, каких неизвестно было в нашем отечестве в продолжение всех столетий его исторической жизни. В. Стасов В лице М. Глинки русская музыкальная культура впервые выдвинула композитора мирового значения. Опираясь на многовековые традиции русской народной и профессиональной музыки, достижения и опыт европейского искусства, Глинка завершил процесс формирования национальной композиторской школы, завоевавшей в XIX в. одно из ведущих мест в европейской культуре, стал первым русским композитором-классиком. В своем творчестве Глинка выразил передовые идейные устремления времени. Его произведения проникнуты идеями патриотизма, верой в народ. Подобно А. Пушкину, Глинка воспел красоту жизни, торжество разума, добра, справедливости. Он создал искусство, настолько гармоничное и прекрасное, что им не устаешь восхищаться, открывая в нем все новые и новые совершенства. Что же формировало личность композитора? Об этом Глинка пишет в своих _Записках_ - замечательном образце мемуарной литературы. Главными впечатлениями детства он называет русские песни они были _первою причиною того, что впоследствии я стал преимущественно разрабатывать народную русскую музыку_), а также крепостной оркестр дяди, который он _любил более всего_. Мальчиком Глинка играл в нем на флейте и скрипке, став старше, дирижировал. _Живейшим поэтическим восторгом_ наполняли его душу колокольные звоны и церковное пение. Юный Глинка неплохо рисовал, страстно мечтал о путешествиях, отличался живостью ума и богатой фантазией. Два великих исторических события явились для будущего композитора важнейшими фактами его биографии: Отечественная война 1812 г. и восстание декабристов в 1825 г. Они определили основную идею творчества (_Отчизне посвятим души прекрасные порывы_), а также политические убеждения. По словам друга юности Н. Маркевича, _Михаило Глинка... не сочувствовал никаким Бурбонам_. Благотворное влияние на Глинку оказало пребывание в Петербургском Благородном пансионе (1817-22), славившемся прогрессивно мыслящими преподавателями. Его воспитателем в пансионе был В. Кюхельбекер, будущий декабрист. Юность протекала в атмосфере пылких политических и литературных споров с друзьями, причем кое-кто из близких Глинке людей после разгрома восстания декабристов оказался среди сосланных в Сибирь. Недаром Глинка был подвержен допросу относительно связей с _бунтовщиками_. В идейно-художественном формировании будущего композитора немалую роль сыграла русская литература с ее интересом к истории, творчеству, жизни народа; непосредственное общение с А. Пушкиным, В. Жуковским, А. Дельвигом, А. Грибоедовым, В. Одоевским, А. Мицкевичем. Разнообразными были и музыкальные впечатления. Глинка брал уроки фортепианной игры (у Дж. Филда, а затем у Ш. Майера), учился пению, игре на скрипке. Часто бывал в театрах, посещал музыкальные вечера, музицировал в 4 руки с братьями Виельгорскими, А. Варламовым, начал сочинять романсы, инструментальные пьесы. В 1825 г. появился один из шедевров русской вокальной лирики - романс _Не искушай на стихи_ Е. Баратынского. Немало ярких художественных импульсов дали Глинке путешествия: поездка на Кавказ (1823), пребывание в Италии, Австрии, Германии (1830-34). Общительный, пылкий, увлекающийся юноша, доброту и прямодушие сочетавший с поэтической чувствительностью, он легко обзаводился друзьями. В Италии Глинка сблизился с В. Беллини, Г. Доницетти, встречался с Ф. Мендельсоном, позже среди его друзей появятся Г. Берлиоз, Дж. Мейербер, С. Монюшко. Жадно впитывая разнообразные впечатления, Глинка серьезно и пытливо учился, завершив музыкальное образование в Берлине у известного теоретика З. Дена. Именно здесь, вдали от родины, Глинка в полной мере осознал свое истинное предназначение. _Мысль о национальной музыке... более и более прояснялась, возникло намерение создать русскую оперу_. Этот замысел осуществился по возвращении в Петербург: в 1836 г. была завершена опера _Иван Сусанин_. Ее сюжет, подсказанный Жуковским, давал возможность воплотить чрезвычайно увлекавшую Глинку идею подвига во имя спасения родины. Это было новым: во всей европейской и русской музыке не появлялось героя-патриота, подобного Сусанину, образ которого обобщает лучшие типические черты национального характера. Героическая идея воплощается Глинкой в формах, характерных для национального искусства, на основе богатейших традиций русской песенности, русского профессионального хорового искусства, которые органично соединились с закономерностями европейской оперной музыки, с принципами симфонического развития. Премьера оперы 27 ноября 1836 г. была воспринята передовыми деятелями русской культуры как событие большого значения. _С оперой Глинки является... новая стихия в Искусстве, и начинается в его истории новый период - период Русской музыки_, - писал Одоевский. Высоко оценили оперу русские, позже зарубежные, писатели и критики. Пушкин, присутствовавший на премьере, написал четверостишие: Слушая сию новинку, Зависть, злобой омрачась, Пусть скрежещет, но уж Глинку Затоптать не может в грязь. Успех окрылил композитора. Сразу же после премьеры _Сусанина_ началась работа над оперой _Руслан и Людмила_ (на сюжет поэмы Пушкина). Однако всевозможные обстоятельства: неудачная женитьба, завершившаяся разводом; высочайшая милость - служба в Придворной певческой капелле, отнимавшая много сил; трагическая гибель Пушкина на дуэли, разрушившая планы совместной работы над произведением, - все это не благоприятствовало творческому процессу. Мешала бытовая неустроенность. Некоторое время Глинка жил у драматурга Н. Кукольника в шумном и веселом окружении кукольниковской _братии_ - художников, поэтов, изрядно отвлекавших от творчества. Несмотря на это, работа продвигалась, а параллельно появлялись и другие произведения - романсы на стихи Пушкина, вокальный цикл _Прощание с Петербургом_ (на ст. Кукольника), первый вариант _Вальса-фантазии_, музыка к драме Кукольника _Князь Холмский_. К этому же времени относится деятельность Глинки в качестве певца и вокального педагога. Он пишет _Этюды для голоса, Упражнения для усовершенствования голоса. Школу пения_. Среди его учеников С. Гулак-Артемовский, Д. Леонова и др. Премьера _Руслана и Людмилы_ 27 ноября 1842 г. принесла Глинке немало тяжелых переживаний. Враждебно встретила оперу аристократическая публика во главе с императорской фамилией. Да и среди сторонников Глинки мнения резко разделились. Причины сложного отношения к опере заключаются в глубоко новаторской сущности произведения, с которое начался неведомый ранее Европе сказочно-эпический оперный театр, где в причудливом переплетении предстали разнообразные музыкально-образные сферы - эпическая, лирическая, восточная, фантастическая. Глинка _на былинный лад распел пушкинскую поэму_ (Б. Асафьев), причем неторопливое развертывание событий, основанное на смене красочных картин, было подсказано пушкинскими словами: _Дела давно минувших дней, преданья старины глубокой_. Как развитие самых сокровенных идей Пушкина предстали в опере и другие ее черты. Солнечная музыка, воспевающая любовь к жизни, веру в торжество добра над злом, перекликается со знаменитым _Да здравствует солнце, да скроется тьма!_, а яркий национальный стиль оперы как бы вырастает из строк пролога; _Там русский дух, там Русью пахнет_. Несколько последующих лет Глинка провел за границей в Париже (1844-45) и в Испании (1345-47), специально изучив перед поездкой испанский язык. В Париже с большим успехом прошел концерт из произведений Глинки, по поводу которого он писал: ..._Я_ п_е_р_в_ы_й р_у_с_с_к_и_й к_о_м_п_о_з_и_т_о_р, который познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями, написанными в Р_о_с_с_и_и и д_л_я Р_о_с_с_и_и. Испанские впечатления вдохновили Глинку на создание двух симфонических пьес: _Арагонская охота_ (1845) и _Воспоминание о летней ночи в Мадриде_ (1848-51). Одновременно с ними в 1848 г. появилась знаменитая _Камаринская_ - фантазия на темы двух русских песен. С этих произведений, равно _докладных знатокам и простой публике_, ведет свое начало русская симфоническая музыка. Последнее десятилетие жизни Глинка жил попеременно в России (Новоспасское, Петербург, Смоленск) и за рубежом (Варшава), Париж, Берлин). Атмосфера все сгущавшегося глухого недоброжелательства угнетающе действовала на него. Лишь небольшой круг истинных и горячих почитателей поддерживал его в эти годы. Среди них А. Даргомыжский, дружба с которым началась еще в период постановки оперы _Иван Сусанин_; В. Стасов, А. Серов, молодой М. Балакирев. Творческая активность у Глинки заметно снижается, однако новые веяния в русском искусстве, связанные с расцветом _натуральной школы_, не прошли мимо его внимания к определили направление дальнейших художественных поисков. Он начинает работу над программной симфонией _Тарас Бульба_ и оперой-драмой _Двумужница_ (по А. Шаховскому, незаконч.). Одновременно возник интерес к полифоническому искусству эпохи Возрождения, мысль о возможности связать _Фугу западную с у_с_л_о_в_и_я_м_и н_а_ш_е_й м_у_з_ы_к_и узами законного брака_. Это вновь привело Глинку в 1856 г. в Берлин к З. Дену. Начался новый этап творческой биографии, которому не суждено было завершиться... Глинка не успел осуществить многое из того, что было задумано. Однако его идеи получили развитие в творчестве русских композиторов последующих поколений, начертавших на своем художественном знамени имя основоположника русской музыки. /О. Аверьянова/ ГЛИЭР Рейнгольд Морицевич (11 I 1875, Киев - 23 VI 1956, Москва) Глиэр! Семь роз моих фарсийских, Семь одалиск моих садов, Волшебств владыка мусикийских, Ты превратил в семь соловьев. Вяч. Иванов Когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция, Глиэр - в то время уже известный композитор, педагог, дирижер - сразу же активно включился в работу по строительству советской музыкальной культуры. Младший представитель русской композиторской школы, ученик С. Танеева, А. Аренского, М. Ипполитова-Иванова, своей разносторонней деятельностью он осуществлял живую связь советской музыки с богатейшими традициями и художественным опытом прошлого. _Я не примыкал ни к какому кружку или школе_, - писал о себе Глиэр, но его творчество невольно вызывает в памяти имена М. Глинки, А. Бородина, А. Глазунова из-за сходства в восприятии мира, который предстает у Глиэра светлым, гармоничным, цельным. _Передавать свои мрачные настроения в музыке считаю преступлением_, - говорил композитор. Творческое наследие Глиэра обширно и разнообразно: 5 опер, 6 балетов, 3 симфонии, 4 инструментальных концерта, музыка для духового оркестра, для оркестра народных инструментов, камерные ансамбли, инструментальные пьесы, фортепианные и вокальные сочинения для детей, музыка для театра и кино. Начав заниматься музыкой вопреки воле родителей, Рейнгольд упорной работой доказал право на любимое искусство и после нескольких лет учебы в Киевском музыкальном училище в 1894 г. поступил в Московскую консерваторию по классу скрипки, а затем композиции. ..._Никто у меня никогда так много не работал в классе, как Глиэр_, - писал Танеев Аренскому. И не только в классе. Глиэр штудировал произведения русских писателей, книги по философии, психологии, истории, интересовался научными открытиями. Не довольствуясь учебным курсом, он самостоятельно изучал музыкальную классику, посещал музыкальные вечера, где познакомился с С. Рахманиновым, А. Гольденвейзером и другими деятелями русской музыки. _В Киеве я родился, в Москве я увидел свет духовный и свет сердца_...- писал Глиэр об этом периоде жизни. Такая сверхнапряженная работа не оставляла времени на развлечения, да Глиэр и не стремился к ним. _Я казался каким-то сухарем... неспособным собраться где-нибудь в ресторане, пивной, покутить_... На такое времяпровождение ему было жаль тратить время, он считал, что человек должен стремиться к совершенству, которое достигается упорным трудом, а поэтому нужно _волю закалить и превратить в стальную_. Однако _сухарем_ Глиэр не был. Сердце у него было доброе, душа певучая, поэтичная. Консерваторию Глиэр окончил в 1900 г. с Золотой медалью, являясь к этому времени автором нескольких камерных сочинений и Первой симфонии. В последующие годы он пишет много и в разных жанрах. Самый значительный результат - Третья симфония _Илья Муромец_ (1911), о которой Л. Стоковский писал автору: _Я думаю, что этой симфонией Вы создали памятник славянской культуре - музыку, которая выражает силу русского народа_. Сразу же по окончании консерватории началась педагогическая деятельность Глиэра. С 1900 г. он вел класс гармонии и энциклопедии (так назывался расширенный курс ана- лиза форм, включавший полифонию и историю музыки) в музыкальной школе сестер Гнесиных; в летние месяцы 1902 и 1903 гг. готовил к поступлению в консерваторию Сережу Прокофьева, занимался с Н. Мясковским. В 1913 г. Глиэр был приглашен профессором класса композиции в Киевскую консерваторию, а через год стал ее директором. Под его руководством получили образование известные украинские композиторы Л. Ревуцкий, Б. Лятошинский. Глнэру удалось привлечь к работе в консерватории таких музыкантов, как Ф. Блуменфельд, Г. Нейгауз, Б. Яворский. Помимо занятий с композиторами, он дирижировал студенческим оркестром, руководил оперным, оркестровым, камерным классами, участвовал в концертах РМО, устраивал в Киеве гастроли многих выдающихся музыкантов - С. Кусевицкого, Я. Хейфеца, С. Рахманинова, С. Прокофьева, А. Гречанинова. В 1920 г. Глиэр переехал в Москву, где до 1941 г. вел класс композиции в Московской консерватории. Он воспитал многих советских композиторов и музыковедов, среди которых А. Н. Александров, Б. Александров, А. Давиденко, Л. Книппер, А. Хачатурян... _Как-то так выходит_, - писал Прокофьев, - _что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается учеником Глиэра - или прямым, или внучатым_. В Москве в 20-х гг. развернулась многосторонняя просветительская деятельность Глиэра. Он возглавил организацию общедоступных концертов, взял шефство над детской колонией, где учил воспитанников хоровому пению, устраивал с ними спектакли или просто рассказывал сказки, импровизируя на рояле. Одновременно в течение ряда лет Глиэр руководил студенческими хоровыми кружками в Коммунистическом университете трудящихся Востока, что принесло ему как композитору немало ярких впечатлений. Особенно важен вклад Глиэра в формирование профессиональной музыки советских республик - Украины, Азербайджана, Узбекистана. С детских лет он проявлял интерес к народной музыке различных национальностей: _эти образы и интонации были для меня наиболее естественным способом художественного выражения моих мыслей и чувств_. Ранее всего состоялось его знакомство с украинской музыкой, которую он изучал в течение многих лет. Результатом этого явились симфоническая картина _Запорожцы_ (1921), симфоническая поэма _Заповiт_ (1941), балет _Тарас Бульба_ (1952). В 1923 г. Глиэр получил приглашение Наркомпроса АзССР приехать в Баку и написать оперу на национальный сюжет. Творческим итогом этой поездки стала опера _Шах-Сенем_, поставленная в Азербайджанском театре оперы и балета в 1927 г. Изучение узбекского фольклора во время подготовки декады узбекского искусства в Ташкенте привело к созданию увертюры _Ферганский праздник_ (1940) и в соавторстве с Т. Садыковым опер _Лейли и Меджнун_ (1940) и _Гюльсара_ (1949). Работая над этими произведениями, Глиэр все более убеждался в необходимости сохранять своеобразие национальных традиций, искать пути их слияния. Эта идея нашла свое воплощение в _Торжественной увертюре_ (1937), построенной на русской, украинской, азербайджанской, узбекской мелодиях, в увертюрах _На славянские народные темы_ и _Дружба народов_ (1941). Значительны заслуги Глиэра в формировании советского балета. Выдающимся событием советского искусства явился балет _Красный мак_. (_Красный цветок_), поставленный в Большом театре в 1927 г. Это был первый советский балет на современную тему, рассказывающий о дружбе советского и китайского народов. Другим значительным произведением в этом жанре стал балет _Медный всадник_ по поэме А. Пушкина, поставленный в 1949 г. в Ленинграде. _Гимн великому городу_, завершающий этот балет, сразу стал широко популярным. Во второй половине 30-х гг. Глиэр впервые обратился к жанру концерта. В его концертах для арфы (1938), для виолончели (1946), для валторны (1951) широко трактуются лирические возможности солиста и вместе с тем сохраняется присущая жанру виртуозность и праздничное воодушевление. Но истинным шедевром является Концерт для голоса (колоратурное сопрано) с оркестром (1943) - самое искреннее и обаятельное сочинение композитора. Стихия концертности вообще была очень естественна для Глиэра, в течение многих десятилетий активно концертировавшего в качестве дирижера и пианиста. Выступления продолжались до конца жизни (последнее состоялось за 24 дня до кончины), при этом Глиэр предпочитал ездить в самые глухие уголки страны, воспринимая это как важную просветительскую миссию. ..._Композитор обязан до конца своих дней учиться, совершенствовать мастерство, развивать и обогащать свое миропонимание, идти вперед и вперед_. Эти слова Глиэр написал в конце творческого пути. Ими он руководствовался свою жизнь. /О. Аверьянова/ ГЛЮК (Gluck) Кристоф Виллибальд (2 VII 1714, Эрасбах, Бавария - 15 XI 1787, Вена) Простота, правда и естественность - вот три великих принципа прекрасного во всех произведениях искусства. К. В. Глюк К. В. Глюк - великий оперный композитор, осуществивший во второй половине XVIII в. реформу итальянской оперы-seria и французской лирической трагедии. Большая мифологическая опера, переживавшая острейший кризис, обрела в творчестве Глюка качества подлинной музыкальной трагедии, наполненной сильными страстями, возвышающей этические идеалы верности, долга, готовности к самопожертвованию. Появлению первой реформаторской оперы _Орфей_ предшествовал долгий путь - борьба за право стать музыкантом, странствия, освоение различных оперных жанров того времени. Глюк прожил удивительную жизнь, целиком посвятив себя музыкальному театру. Глюк родился в семье лесничего. Отец считал профессию музыканта недостойным занятием и всячески препятствовал музыкальным увлечениям старшего сына. Поэтому еще подростком Глюк уходит из дома, странствует, мечтает получить хорошее образование (к этому времени он окончил иезуитскую коллегию в Коммотау). В 1731 г. Глюк поступил в Пражский университет. Студент философского факультета много времени отдавал музыкальным занятиям - брал уроки у знаменитого чешского композитора Богуслава Черногорского, пел в хоре церкви Св. Якова. Странствия в окрестностях Праги (Глюк охотно играл в бродячих ансамблях на скрипке и особенно любимой виолончели) помогли ближе познакомиться с чешской народной музыкой. В 1735 г. Глюк, уже сложившийся профессиональный музыкант, едет в Вену и поступает на службу в капеллу графа Лобковица. Вскоре итальянский меценат А. Мельци предложил Глюку место камер-музыканта придворной капеллы в Милане. В Италии начинается путь Глюка как оперного композитора; он знакомится с творчеством крупнейших итальянских мастеров, занимается композицией под руководством Дж. Саммартини. Почти 5 лет продолжался подготовительный этап; лишь в декабре 1741 г. в Милане с успехом была поставлена первая опера Глюка _Артаксеркс_ (либр. П. Метастазио). Глюк получает многочисленные заказы из театров Венеции, Турина, Милана и в течение четырех лет создает еще несколько опер-seria (_Деметрий, Поро, Демофонт, Гипермнестра_ и др.), которые принесли ему известность и признание у достаточно искушенной и требовательной итальянской публики. В 1745 г. композитор гастролировал в Лондоне. Сильнейшее впечатление произвели на него оратории Г. Ф. Генделя. Это возвышенное, монументальное, героическое искусство стало для Глюка важнейшим творческим ориентиром. Пребывание в Англии, а также выступления с итальянский оперной труппой братьев Минготти в крупнейших европейских столицах (Дрездене, Вене, Праге, Копенгагене) обогатили запас музыкальных впечатлений композитора, помогли завязать интересные творческие контакты, ближе познакомиться с различными оперными школами. Признанием авторитета Глюка в музыкальном мире стало его награждение папским орденом _Золотой шпоры. Кавалер Глюк_ - это звание так и закрепилось за композитором. (Напомним о прекрасной новелле Т. А. Гофмана _Кавалер Глюк_.) Новый этап жизни и творчества композитора начинается с переездом в Вену (1752), где Глюк вскоре занял пост дирижера и композитора придворной оперы, а в 1774 г. получил звание _действительного императорского и королевского придворного композитора_. Продолжая сочинять оперы-seria, Глюк обращается и к новым жанрам. Французские комические оперы (_Остров Мерлина, Мнимая рабыня. Исправленный пьяница, Одураченный кади_ и др.), написанные на тексты известных французских драматургов А. Лесажа, Ш. Фавара и Ж. Седена, обогатили стиль композитора новыми интонациями, композиционными приемами, ответили потребностям слушателей в непосредственно жизненном, демократическом искусстве. Большой интерес представляет работа Глюка в жанре балета. В сотрудничестве с талантливым венским хореографом Г. Анджолини был создан балет-пантомима _Дон-Жуан_. Новизна этого спектакля - подлинной хореографической драмы - определяется во многом характером сюжета: не традиционно сказочного, аллегорического, но глубоко трагедийного, остро конфликтного, затрагивающего вечные проблемы человеческого бытия. (Сценарий балета написан по пьесе Ж. Б. Мольера.) Важнейшим событием в творческой эволюции композитора и в музыкальной жизни Вены явилась премьера первой реформаторской оперы - _Орфей_ (1762), Древнегреческий миф о легендарном певце Глюк и Р. Кальцабиджи (автор либр., единомышленник и постоянный сотрудник композитора в Вене) трактовали в духе строгой и возвышенной античной драмы. Красота искусства Орфея и сила его любви способны преодолеть все преграды - эта вечная и всегда волнующая идея лежит в основе оперы, одного из самых совершенных творений композитора. В ариях Орфея, в знаменитом соло флейты, известном также в многочисленных инструментальных вариантах под названием _Мелодия_, раскрылся оригинальный мелодический дар композитора; а сцена у врат Аида - драматический поединок Орфея и фурий - осталась замечательным образцом построения крупной оперной формы, в которой достигнуто абсолютное единство музыкального и сценического развития. За _Орфеем_ последовали еще 2 реформаторские оперы - _Альцеста_ (1767) и _Парис и Елена_ (1770) (обе на либр. Кальцабиджи). В предисловии к _Альцесте_, написанном по случаю посвящения оперы герцогу Тосканскому, Глюк сформулировал художественные принципы, которыми руководствовался во всей творческой деятельности. Не найдя должной поддержки у венской и итальянской публики. Глюк отправляется в Париж. Годы, проведенные в столице Франции (1773-79), - время наивысшей творческой активности композитора. Глюк пишет и ставит в Королевской академии музыки новые реформаторские оперы - _Ифигения в Авлиде_ (либр. Л. дю Рулле по трагедии Ж. Расина, 1774), _Армида_ (либр. Ф. Кино по поэме Т. Тассо _Освобожденный Иерусалим_, 1777), _Ифигения в Тавриде_ (либр. Н. Гнияра и Л. дю Рулле по драме Г. де ла Туш, 1779), _Эхо и Нарцисс_ (либр. Л. Чуди, 1779), перерабатывает _Орфея_ и _Альцесту_, сообразуясь с традициями французского театра. Деятельность Глюка всколыхнула музыкальную жизнь Парижа, вызвала острейшие эстетические дискуссии. На стороне композитора - французские просветители, энциклопедисты (Д. Дидро, Ж. Руссо, Ж. Д'Аламбер, М. Гримм), приветствовавшие рождение истинно высокого героического стиля в опере; его противники - приверженцы старой французской лирической трагедии и оперы-seria. Стремясь поколебать позиции Глюка, они пригласили в Париж итальянского композитора Н. Пиччинни, пользовавшегося в то время европейским признанием. Полемика между сторонниками Глюка и Пиччинни вошла в историю французской оперы под названием _войны глюкистов и пиччиннистов_. Сами же композиторы, относившиеся друг к другу с искренней симпатией, остались вдалеке от этих _эстетических баталий_. В последние годы жизни, прошедшие в Вене, Глюк мечтал о создании немецкой национальной оперы на сюжет Ф. Клопштока _Битва Германа_. Однако тяжелая болезнь и возраст препятствовали осуществлению этого плана. Во время похорон Глюкз в Вене исполнялось его последнее произведение _De profundls (Из бездны взываю_...) для хора и оркестра. Этим своеобразным реквиемом дирижировал ученик Глюка - А. Сальери. _Эсхилом музыки_ назвал Глюка страстный поклонник его творчества Г. Берлиоз. Стилистика музыкальных трагедий Глюка - возвышенная красота и благородство образов, безупречность вкуса и единство целого, монументальность композиции, опирающейся на взаимодействие сольных и хоровых форм, - восходит к традициям античной трагедии. Созданные в эпоху расцвета просветительского движения накануне Великой французской революции, они ответили потребностям времени в большом героическом искусстве. Так, Дидро писал незадолго до приезда Глюка в Париж: _Пусть появится гений, который утвердит подлин