ауке той эпохи. Долгое время этот труд являлся незаменимым сводом разнообразных теоретических сведений и практических рекомендаций для многих поколений русских композиторов. Со страниц старинной рукописи как будто смотрит на нас сквозь века ее автор, о котором проникновенно писал крупный ученый-медиевист В. Металлов: ..._Нельзя не видеть сознания автором важности предпринятого им труда и ответственности за него пред земным и небесным судом, нельзя не видеть его искренней любви к своему делу и той отеческой любви, с какою автор убеждает читателя глубже вникать в суть дела и честно, свято продолжать это благое дело_. /Н. Заболотная/ ДОНИЦЕТТИ (Donizetti) Гаэтано (29 XI 1797, Бергамо, Ломбардия - 8 IV 1848, там же) Мелодии Доницетти своей шутливой веселостью радуют свет. Г. Гейне Доницетти - высокопрогрессивный талант, обнаруживающий тенденции Возрождения. Дж. Мадзини Музыка Доницетти прекрасна, великолепна, изумительна! В. Беллини Г. Доницетти - представитель итальянской романтической оперной школы, кумир поклонников бельканто - появился на оперном горизонте Италии в то время, когда _умирал Беллини и молчал Россини_. Обладатель неисчерпаемого мелодического дара, глубокого поэтического таланта и чувства театральности, Доницетти создал 74 оперы, в которых раскрылась широта и разнообразие его композиторского дарования. Оперное творчество Доницетти необычайно разнообразно по жанрам: это социально-психологические мелодрамы (_Линда ди Шамуни_ - 1842, _Джемма ди Вержди_ - 1834), историко-героические драмы (_Велизарио_ - 1836, _Осада Кале_ - 1836, _Торквато Тассо_ - 1833, _Мария Стюарт_ - 1835, _Марина Фальеро_ - 1835), лирико-драматические оперы (_Лючия ди Ламмермур_ - 1835, _Фаворитка_ - 1840, _Мария ди Роган_ - 1843), трагические мелодрамы (_Лукреция Борджа_ - 1833, _Анна Болейн_ - 1830). Особенно разнообразны оперы, написанные в жанре buffa, музыкальные фарсы (_Замок инвалидов_ - 1826, _Новый Пурсоньяк_ - 1828, _Сумасшедшие по заказу_ - 1830), комические оперы (_Любовный напиток_ - 1832, _Дон Паскуале_ - 1843), комические оперы с разговорными диалогами (_Дочь полка_ - 1840, _Рита_ - пост. 1860) и собственно оперы-buffa (_Гувернер в затруднении_ - 1824, _Ночной звонок_ - 1836). Оперы Доницетти - плоды необычайно скрупулезной работы композитора как над музыкой, так и над либретто. Будучи широко образованным музыкантом, он использовал произведения В. Гюго, А. Дюма-отца, В. Скотта, Дж. Байрона и Э. Скриба, сам пробовал писать либретто, прекрасно сочинял юмористические стихи. В оперном творчестве Доницетти условно можно выделить два периода. В сочинениях первого (1818-30) весьма заметно влияние Дж. Россини. Хотя оперы неравноценны по содержанию, мастерству и проявлению авторской индивидуальности, в них Доницетти предстает великолепным мелодистом. Период творческой зрелости композитора приходится на 30-е - первую половину 40-х гг. В это время он создает шедевры, вошедшие в историю музыки. Таковы _всегда свежая, всегда прелестная_ (А. Серов) опера _Любовный напиток_; _один из самых чистых бриллиантов итальянской оперы_ (Дж. Донати-Петтени) _Дон Паскуале_; _Лючия ди Ламмермур_, где Доницетти раскрыл все тонкости душевных переживаний любящего человека (Де Валори). Интенсивность творчества композитора поистине уникальна: _Легкость, с какой Доницетти сочинял музыку, умение быстро уловить музыкальную мысль позволяют сравнить процесс его творчества с естественностью плодоношения цветущих фруктовых деревьев_ (Донати-Петтени). Равно легко автор владел различными национальными стилями и жанрами оперного творчества. Помимо опер, перу Доницетти принадлежат оратории, кантаты, симфонии, квартеты, квинтеты, духовные и вокальные сочинения. Внешне жизнь Доницетти казалась сплошным триумфом. На самом же деле это было не так. _Мое рождение покрыто тайной_, - писал композитор, - _ибо я появился на свет под землей, в подвале Борго-Канале, куда луч солнца не проникал никогда_. Родители Доницетти были бедные люди: отец - сторож, мать - ткачиха. В 9 лет Гаэтано поступает в Благотворительную музыкальную школу Симона Майра и становится там лучшим учеником. В 14 лет он переезжает в Болонью, где учится в музыкальном лицее у С. Маттеи. Выдающиеся способности Гаэтано впервые раскрылись на экзамене 1817 г., где исполнялись его симфонические произведения и кантата. Еще в лицее Доницетти написал 3 оперы: _Пигмалион, Олимпиада_ и _Гнев Ахилла_, а уже в 1818 г. его опера _Энрико, граф Бургундский_ была с успехом поставлена в Венеции. Несмотря на успех оперы, это был очень трудный период в жизни композитора: контрактов на сочинение заключать не удавалось, семья нуждалась в материальной помощи, близкие его не понимали. Симон Майр устроил Доницетти контракт с Римской оперой на сочинение оперы _Зораида Гранатская_. Постановка имела успех, но критика, обрушившаяся на молодого композитора, была оскорбительно жестокой. Но это не сломило Доницетти, а лишь укрепило его силы в стремлении к совершенствованию своего мастерства. Но несчастья следуют одно за другим: сначала умирает сын композитора, затем - родители, горячо любимая жена Вирджиния, которой не исполнилось даже 30 лет: _Я один на земле, и я еще жив_! - в отчаянии написал Доницетти. От самоубийства его спасло искусство. Вскоре следует приглашение в Париж. Там он пишет романтическую, прелестную, _Дочь полка_, изящную _Фаворитку_. Оба этих сочинения, а также интеллектуальный _Полиевкт_ были приняты с восторгом. Последняя опера Доницетти - _Катарина Корнаро_. Она была поставлена в Вене, где в 1842 г. Доницетти получает звание австрийского придворного композитора. После 1844 г. психическое заболевание заставило Доницетти отказаться от композиторской деятельности и послужило причиной его смерти. Искусство Доницетти, представлявшее декоративный певческий стиль, было органичным и естественным. _Доницетти вбирал в себя все радости и печали, волнения и заботы, все устремления простых людей к любви и красоте и потом выражал их в прекрасных мелодиях, которые до сих пор живут в сердце народа_ (Донати-Петтени). /М. Дворкина/ ДУНАЕВСКИЙ Исаак Осипович (30 I 1900, г. Лохвица, ныне Полтавской обл. - 25 VII 1955, Москва) ...Мое творчество я навсегда посвятил молодости. Я без преувеличения могу сказать, что, когда я пишу новую песню или иное музыкальное произведение, я его мысленно всегда адресую нашей молодежи. И. Дунаевский Огромный талант Дунаевского в наибольшей степени раскрылся в области _легких_ жанров. Он выступил создателем новой советской массовой песни, самобытной джазовой музыки, музыкальной кинокомедии, оперетты. Эти наиболее близкие молодежи жанры композитор стремился наполнить подлинной красотой, тонким изяществом, высоким художественным вкусом. Творческое наследие Дунаевского очень велико. Ему принадлежат 14 оперетт, 3 балета, 2 кантаты, 80 хоров, 80 песен и романсов, музыка к 88 драматическим спектаклям и 42 кинофильмам, 43 сочинения для эстрады и 12 для джаз-оркестра, 17 мелодекламаций, 52 симфонических и 47 фортепианных произведений. Дунаевский родился в семье служащего. Музыка сопутствовала ему с ранних лет. В доме Дунаевских часто устраивались импровизированные музыкальные вечера, где, затаив дыхание, присутствовал и маленький Исаак. По воскресеньям он обычно слушал в городском саду оркестр, а вернувшись домой, подбирал по слуху на фортепиано запомнившиеся ему мелодии маршей и вальсов. Настоящим праздником для мальчика были посещения театра, где выступали гастролировавшие украинские и русские драматические и оперные труппы. В 8 лет Дунаевский начал учиться играть на скрипке. Его успехи были столь разительны, что уже в 1910 г. он становится учащимся Харьковского музыкального училища но классу скрипки профессора К. Горского, затем И. Ахрона - блестящего скрипача, педагога и композитора. У Ахрона Дунаевский занимался и в Харьковской консерватории, которую окончил в 1919 г. В консерваторские годы Дунаевский много сочинял. Его учителем по композиции был С. Богатырев. С детства горячо полюбив театр, Дунаевский, не раздумывая, пришел в него после окончания консерватории. _Драматический театр Синельникова считался по праву гордостью Харькова_, а его художественный руководитель - _одним из самых выдающихся деятелей русского театра_. Сначала Дунаевский работал скрипачом-концертмейстером в оркестре, затем дирижером и, наконец, заведующим музыкальной частью театра. В то же время он писал музыку ко всем новым спектаклям. В 1924 г. Дунаевский переезжает в Москву, где в течение ряда лет работает музыкальным руководителем эстрадного театра _Эрмитаж_. В это время он пишет свои первые оперетты: _И нашим и вашим, Женихи, Ножи, Карьера премьера_. Но это были лишь первые шаги. Подлинные шедевры композитора появились позднее. Этапным в жизни Дунаевского стал 1929 год. Начался новый, зрелый период его творческой деятельности, принесший ему заслуженную славу. Дунаевский был приглашен музыкальным руководителем в Ленинградский мюзик-холл. _Своим обаянием, остроумием и простотой, своим высоким профессионализмом он завоевал искреннюю любовь всего творческого коллектива_, - вспоминал артист Н. Черкасов. В Ленинградском мюзик-холле постоянно выступал со своим джазом Л. Утесов. Так произошла встреча двух замечательных музыкантов, перешедшая в многолетнюю дружбу. Дунаевский сразу же увлекся джазом и стал писать музыку для ансамбля Утесова. Им были созданы рапсодии на популярные песни советских композиторов, на русские, украинские, еврейские темы, джаз-фантазия на темы собственных песен и др. Дунаевский и Утесов очень часто работали вместе. _Я любил эти встречи_, - писал Утесов. - _Меня особенно увлекала в Дунаевском способность целиком отдаваться музыке, не замечая окружающего_. В начале 30-х гг. Дунаевский обращается к киномузыке. Он становится создателем нового жанра - музыкальной кинокомедии. С его именем связан также новый, яркий период в развитии советской массовой песни, вошедшей в жизнь с киноэкрана. В 1934 г. на экранах страны появился фильм _Веселые ребята_ с музыкой Дунаевского. Фильм был восторженно встречен широким массовым зрителем. _Марш веселых ребят_ (ст. В. Лебедева-Кумача) буквально зашагал по всей стране, обошел весь мир и стал одной из первых международных молодежных песен нашего времени. А знаменитая _Каховка_ из фильма _Три товарища_ (1935, ст. М. Светлова)! Ее с энтузиазмом пела молодежь в годы мирного строительства. Она была популярна и в годы Великой Отечественной войны. Всемирную известность завоевала и _Песня о Родине_ из кинофильма _Цирк_ (1936, ст. В. Лебедева-Кумача). Много прекрасной музыки написал Дунаевский и к другим фильмам: _Дети капитана Гранта, Искатели счастья, Вратарь, Богатая невеста, Волга-Волга, Светлый путь, Кубанские казаки_. Увлеченный работой для кино, сочинением массовых песен, Дунаевский несколько лет не обращался к оперетте. Он вернулся к любимому жанру в конце 30-х гг. уже зрелым мастером. В годы Великой Отечественной войны Дунаевский руководит ансамблем песни и пляски Центрального Дома культуры железнодорожников. Где только не выступал этот коллектив - в Поволжье, в Средней Азии, на Дальнем Востоке, на Урале и в Сибири, вселяя в тружеников тыла бодрость, уверенность в победе Советской Армии над врагом. В то же время Дунаевский пишет мужественные, суровые песни, снискавшие популярность на фронте. Наконец отгремели последние залпы войны. Страна залечивала свои раны. А на Западе снова запахло порохом. В эти годы борьба за мир стала главной целью всех людей доброй воли. Дунаевский, как и многие другие деятели искусства, активно включился в борьбу за мир. 29 августа 1947 г. в Московском театре оперетты с большим успехом прошла его оперетта _Вольный ветер_. Тема борьбы за мир воплощена и в документальном фильме с музыкой Дунаевского _Мы за мир_ (1951). Чудесная лирическая песня из этого фильма _Летите, голуби_ приобрела всемирную известность. Она стала эмблемой VI Всемирного фестиваля молодежи в Москве. Последнее произведение Дунаевского - оперетта _Белая акация_ (1955) - прекрасный образец советской лирической оперетты. С каким увлечением писал композитор свою _лебединую песню_, которую ему так и не пришлось _допеть_! Смерть подкосила его в самый разгар работы. Завершил оперетту по оставленным Дунаевским эскизам композитор К. Молчанов. Премьера _Белой акации_ состоялась 15 ноября 1955 г. в Москве. Поставил ее и Одесский театр музыкальной комедии. _И грустно подумать_, - писал главный режиссер театра И. Гриншпун, - _что Исаак Осипович не увидел "Белой акации" на сцене, не смог быть свидетелем той радости, которую он дал и актерам, и зрителям... А ведь он был художником радости человеческой_! /М. Комиссарская/ ЖАНЕКЕН (Janequin) Клеман (ок. 1475, Шательро, близ Пуатье - ок. 1560, Париж) Сквозь мастера смотри на мастерство. В. Шекспир Слагает ли он мотеты в массивных аккордах, дерзает ли он воспроизводить шумное смятение, передает ли он в своих песнях женскую болтовню, воспроизводит ли он птичьи голоса, - во всем, что воспевает великолепный Жанекен, он божествен и бессмертен. А. Банф К. Жанекен - французский композитор первой половины XVI в. - одна из самых ярких и значительных фигур эпохи Возрождения. К сожалению, достоверных сведений о его жизненном пути сохранилось крайне мало. Но облик художника-гуманиста, жизнелюба и весельчака, тонкого лирика и остроумного сатирика-жанриста выразительно раскрывается в его творчестве, разнообразном по сюжетам и жанрам. Как и многие представители музыкальной культуры Возрождения, Жанекен обращался к традиционным жанрам духовной музыки - писал мотеты, псалмы, мессы. Но наиболее самобытные, имевшие большой успех у современников и сохраняющие до сегодняшнего дня свое художественное значение, произведения созданы композитором в светском жанре французской полифонической песни - шансон. В истории развития музыкальной культуры Франции этот жанр сыграл очень важную роль. Уходя своими корнями в народную песенно-поэтическую культуру средневековья, бытуя в творчестве трубадуров и труверов, шансон выражала думы и чаяния всех социальных слоев общества. Поэтому в ней органичнее и ярче, чем в каких-либо иных жанрах, воплотились черты ренессансного искусства. Наиболее раннее (из известных) издание песен Жанекена относится к 1529 г., когда старейший в Париже нотопечатник Пьер Аттеньян опубликовал ряд крупных песен композитора. Эта дата стала своеобразной точкой отсчета при определении вех жизненного и творческого пути художника. Первый этап интенсивной музыкальной деятельности Жанекена связан с городами Бордо и Анже. С 1533 г. он занимает видное место музыкального руководителя в анжерском соборе, который славился высоким исполнительским уровнем своей капеллы и превосходным органом. В Анже - крупном центре гуманизма XVI в., где видную роль в общественной жизни играл университет, композитор провел около 10 лет. (Интересно, что с Анже связана юность и другого выдающегося представителя французской ренессансной культуры - Франсуа Рабле. В прологе к четвертой книге _Гаргантюа и Пантагрюэль_ он тепло вспоминает об этих годах.) Из Анже Жанекен уезжает ок. 1540г. О последующем десятилетии его жизни практически ничего не известно. Документальное свидетельство имеется о поступлении Жанекена в конце 1540-х гг. на службу в качестве капеллана к герцогу Франсуа де Гизу. Сохранилось несколько шансон, посвященных Жанекеном военным победам герцога. С 1555 г. композитор становится певцом королевской капеллы, затем получает звание _постоянного композитора_ короля. Несмотря на европейскую известность, успех произведений, многократные переиздания сборников шансон, Жанекен испытывает серьезные материальные затруднения. В 1559 г. он даже обращается со стихотворным посланием к французской королеве, в котором прямо жалуется на бедность. Сложности повседневного существования не сломили композитора. Жанекен являет собой ярчайший тип ренессансной личности с ее неистребимым духом бодрости и оптимизма, любовью ко всем земным радостям, умением видеть красоту в окружающем мире. Широко распространено сравнение музыки Жанекена с творчеством Рабле. Художников роднит сочность и колорит языка (у Жанекена это не только выбор поэтических текстов, изобилующих меткими народными выражениями, искрящихся юмором, весельем, но и любовь к красочным детальным описаниям, широкое использование изобразительных и звукоподражательных приемов, придающих его произведениям особую правдивость и жизненность). Ярким примером может служить знаменитая вокальная фантазия _Крики Парижа_ - развернутая, словно театрализованная сценка уличного парижского быта. После мерного вступления, где автор спрашивает слушателей, не желают ли они послушать уличную разноголосицу Парижа, начинается первый эпизод представления - непрерывно звучат, сменяясь и перебивая друг друга, зазывные возгласы продавцов: _пирожки, красное вино, сельди, старые башмаки, артишоки, молоко, свекла, вишня, русские бобы, каштаны, голуби_... Темп исполнения все убыстряется, создавая в этой цветистой разноголосице картину, ассоциирующуюся с гиперболами _Гаргантюа_. Фантазия завершается призывами: _Слушайте! Слушайте крики Парижа!_ Ряд картинно-изобразительных хоровых композиций Жанекена родился как отклик на важные исторические события его эпохи. Одно из популярнейших сочинений композитора - _Битва_ - описывает сражение при Мариньяно в сентябре 1515 г., где французские войска нанесли поражение швейцарцам. Ярко и рельефно, словно на батальных полотнах Тициана и Тинторетто, выписан звуковой образ грандиозной музыкальной фрески. Ее лейттема - призывный клич походного горна - проходит через все эпизоды произведения. В соответствии с развертывающимся поэтическим сюжетом эта шансон состоит из двух разделов: 1ч. - подготовка к битве, 2 ч. - ее описание. Свободно варьируя фактуру хорового письма, композитор следует за текстом, стремясь передать эмоциональное напряжение последних мгновений перед битвой и героическую решимость воинов. В картине боя Жанекен использует множество новаторских, крайне смелых для своего времени, приемов звукоподражания: партии хоровых голосов имитируют дробь барабанов, сигналы труб, бряцание мечей. Ставшая открытием для своей эпохи шансон _Битва при Мариньяно_ вызвала множество подражаний как у соотечественников Жанекена, так и за пределами Франции. Сам композитор неоднократно обращался к композициям подобного рода, вдохновленный патриотическим подъемом, вызванным победами Франции (_Битва при Меце_ - 1555 и _Битва при Ренти_ - 1559). Воздействие героико-патриотических шансон Жанекена на слушателей было чрезвычайно сильным. Как свидетельствует один из его современников, _когда исполняли "Битву при Мариньяно"... каждый из присутствующих хватался за оружие и принимал воинственную позу_. Среди выразительных поэтических зарисовок и иллюстративных картин жанрово-бытового плана, созданных средствами хорового многоголосия, почитатели таланта Жанекена выделяли _Охоту на оленя_, звукоподражательные пьесы _Пение птиц, Соловей_ и комическую сценку _Женская болтовня_. Сюжетность, живописность музыки, тщательность звуковой прорисовки многочисленных деталей вызывают ассоциации с полотнами голландских художников, которые придавали значение мельчайшим деталям изображаемого на полотне. Камерная вокальная лирика композитора значительно менее известна слушателям, чем его монументальные хоровые композиции. В ранний период творчества Жанекен тяготел к поэзии Клемана Маро, одного из любимейших поэтов А. Пушкина. С 1530-х гг. появляются шансон на стихи поэтов знаменитой _Плеяды_ - творческого содружества семи выдающихся деятелей искусства, назвавших свой союз в память о созвездии александрийских поэтов. В их творчестве Жанекена пленили изысканность и изящество образов, музыкальность слога, пылкость чувств. Известны вокальные композиции на стихи П. Ронсара - _короля поэтов_, как прозвали его современники, Ж. Дю Белле, А. Баифа. Традиции гуманистического искусства Жанекена в области многоголосной полифонической песни были продолжены Гильомом Котле и Клоденом де Сермизи. /Н. Яворская/ ЖИГАНОВ Назиб Гаязович (15 I 1911, Уральск - 2 VI 1988, Казань) Песни, в душе я взрастил ваши всходы... Эту строку из _Моабитской тетради_ Мусы Джалиля с полным правом можно отнести к музыке его друга и творческого сподвижника Н. Жиганова. Верный художественным основам татарской народной музыки, он нашел оригинальные и плодотворные пути для ее живой взаимосвязи с творческими принципами мировой музыкальной классики. Именно на таком фундаменте выросло его талантливое и самобытное творчество - 8 опер, 3 балета, 17 симфоний, сборники фортепианных пьес, песни, романсы. Жиганов родился в рабочей семье. Рано потеряв родителей, он провел несколько лет в детских домах. Живой и энергичный, Назиб заметно выделялся среди воспитанников Уральской пионерской коммуны своими незаурядными музыкальными способностями. Влечение к серьезной учебе приводит его в Казань, где в 1928 г. он был принят в Казанский музыкальный техникум. Осенью 1931 г. Жиганов становится учащимся Московского областного музыкального техникума (теперь музыкальное училище при Московской консерватории). Творческие успехи позволили Назибу по рекомендации Н. Мясковского в 1935 г. стать студентом сразу третьего курса Московской консерватории по классу своего прежнего учителя - профессора Г. Литинского. Завидной оказалась судьба крупных сочинений, созданных в консерваторские годы: в 1938 г. в первом симфоническом концерте, открывшем Татарскую государственную филармонию, была исполнена его Первая симфония, а 17 июня 1939 г. постановкой оперы _Качкын_ (_Беглец_, либр. А. Файзи) открылся Татарский государственный театр оперы и балета. Вдохновенный певец героических свершений народа во имя Родины - а этой теме, кроме _Качкын_, посвящены оперы _Ирек_ (_Свобода_, 1940), _Ильдар_ (1942), _Тюляк_ (1945), _Намус_ (_Честь_, 1950), - композитор наиболее полно воплощает эту центральную для него тему в своих вершинных произведениях - в историко-легендарной опере _Алтынчеч_ (_Золотоволосая_, 1941, либр. М. Джалиля) и в опере-поэме _Джалиль_ (1957, либр. А. Файзи). Оба произведения покоряют эмоционально-психологической глубиной и неподдельной искренностью музыки, с выразительной, сохраняющей национальную основу мелодикой, и искусным сочетанием развитых и целостных сцен с действенно-сквозным симфоническим развитием. Неотделимо-родствен оперному творчеству большой вклад Жиганова в татарский симфонизм. Симфоническая поэма _Кырлай_ (по сказке Г. Тукая _Шурале_), драматическая увертюра _Нафиса_, сюита Симфонические новеллы и Симфонические песни, 17 симфоний, сливаясь воедино, воспринимаются как яркие главы симфонической летописи: в них то оживают образы мудрых народных сказок, то живописуются пленительные картины родной природы, то развертываются коллизии героических борений, то музыка вовлекает в мир лирических чувств, а эпизоды народно-бытового или фантастического характера сменяются экспрессией драматических кульминаций. Творческое кредо, характерное для композиторского мышления Жиганова, было положено в основу деятельности Казанской консерватории, создание и руководство которой ему было поручено в 1945 г. Более 40 лет он возглавлял работу по воспитанию в ее питомцах высокого профессионализма. На примере творчества Жиганова всеобъемлюще раскрываются результаты поистине революционного переворота в истории ранее отсталых пентатонических музыкальных культур национальных автономных республик Поволжья, Сибири и Урала. Лучшие страницы его творческого наследия, проникнутые жизнеутверждающим оптимизмом, по-народному яркой интонационной характерностью музыкального языка, заняли достойное место в сокровищнице татарской музыкальной классики. /Я. Гиршман/ ЖОЛИВЕ (Jolivet) Андре (8 VIII 1905, Париж - 20 XII 1974, там же) Я хочу вернуть музыке ее первоначальный античный смысл, когда она была выражением магического и заклинательного начала религии, объединяющей людей. А. Жоливе Современный французский композитор А. Жоливе говорил, что стремится _быть настоящим универсальным человеком, человеком космоса_. Он относился к музыке как к волшебной силе, магически воздействующей на людей. Для усиления такого воздействия Жоливе постоянно искал необычные тембровые сочетания. Это могли быть экзотические лады и ритмы народов Африки, Азии и Океании, сонорные эффекты (когда звучание воздействует своей краской без четкого различения отдельных тонов) и другие приемы. Имя Жоливе появилось на музыкальном горизонте в середине 30-х гг., когда он выступил как член группы _Молодая Франция_ (1936), куда входили также О. Мессиан, И. Бодрие и Д. Лесюр. Эти композиторы призывали к созданию _живой музыки_, преисполненной _душевного тепла_, они мечтали о _новом гуманизме_ и _новом романтизме_ (что было своеобразной реакцией на увлечение конструктивизмом в 20-е гг.). В 1939 г. сообщество распалось, и каждый из его участников пошел своим путем, сохраняя верность идеалам молодости. Жоливе родился в музыкальной семье (его мать была хорошая пианистка). Учился основам композиции у П. Ле Флема, а затем - инструментовке у Э. Вареза (1929-33). От Вареза, родоначальника сонорной и электронной музыки, во многом и пошла склонность Жоливе к красочным звуковым экспериментам. В начале своего композиторского пути Жоливе находился во власти идеи _познать сущность "заклинательной магии" музыки_. Так возник цикл фортепианных пьес _Мана_ (1935). Слово _мана_ на одном из африканских языков означает таинственную силу, живущую в вещах. Эту линию продолжили _Заклинания_ для флейты solo, _Ритуальные танцы_ для оркестра, _Симфония танцев и Дельфийская сюита_ для духовых, волн Мартено, арфы и ударных. Жоливе часто использовал волны Мартено - изобретенный в 20-е гг. электромузыкальный инструмент, издающий плавные, словно неземные звуки. Во время второй мировой войны Жоливе был мобилизован и около полутора лет провел в армии. Впечатления военного времени вылились в _Трех жалобах солдата_ - камерном вокальном произведении на собственные стихи (Жоливе обладал прекрасным литературным талантом и в молодости даже колебался, какому из искусств отдать предпочтение). 40-е гг. - время перемен в стиле Жоливе. Первая соната для фортепиано (1945), посвященная венгерскому композитору Б. Бартоку, отличается от ранних _заклинаний_ энергией и четкостью ритма. Расширяется круг жанров здесь и опера (_Долорес, или Чудо безобразной женщины_), и 4 балета. Лучший из них _Гиньоль и Пандор_ (1944) воскрешает дух балаганных марионеточных представлений. Жоливе пишет 3 симфонии, оркестровые сюиты (_Трансокеанская и Французская_), но самым любимым его жанром в 40-60-е гг. стал концерт. Один только перечень солирующих инструментов в концертах Жоливе говорит о неустанных поисках тембровой выразительности. Свой первый концерт Жоливе написал для волн Мартено с оркестром (1947). Затем последовали концерты для трубы (2), флейты, фортепиано, арфы, фагота, виолончели (Второй виолончельный концерт посвящен М. Ростроповичу). Есть даже концерт, где солируют ударные инструменты! Во Втором концерте для трубы с оркестром слышны джазовые интонации, а в фортепианном наряду с джазом звучат отголоски африканской и полинезийской музыки. Многие французские композиторы (К. Дебюсси, А. Руссель, О. Мессиан) обращали взоры к экзотическим культурам. Но вряд ли кто может сравниться с Жоливе в постоянстве этого интереса, его вполне можно назвать _Гогеном в музыке_. Деятельность Жоливе как музыканта очень разнообразна. Долгое время (1945-59) он был музыкальным директором парижского театра Comedie Francaise; за эти годы он создал музыку к 13 спектаклям (среди них _Мнимый больной_ Ж. Б. Мольера, _Ифигения в Авлиде_ Еврипида). В качестве дирижера Жоливе выступал во многих странах мира и неоднократно приезжал в СССР. Его литературный талант проявился в книге о Л. Бетховене (1955); постоянно стремясь к общению с публикой, Жоливе выступал как лектор и журналист, был главным консультантом по музыкальным вопросам в Министерстве культуры Франции. В последние годы жизни Жоливе отдает себя педагогике. С 1966 р. и до конца своих дней композитор занимает должность профессора Парижской консерватории, где ведет класс композиции. Говоря о музыке и ее магическом воздействии, Жоливе делает акцент на общении, чувстве единства людей и всего мироздания: _Музыка это прежде всего акт общения... Общение композитора и природы... в момент создания произведения, а затем - общение между композитором и публикой в момент исполнения произведения_. Достичь такого единения композитору удалось в одном из крупнейших своих сочинений - оратории _Правда о Жанне_. Она была исполнена впервые в 1956 г, (через 500 лет после судебного процесса, оправдавшего Жанну д'Арк) на родине героини - в селении Домреми. Жоливе использовал тексты протоколов этого процесса, а также стихи средневековых поэтов (в т. ч. Шарля Орлеанского). Оратория исполнялась не в концертном зале, а на открытом воздухе, в присутствии нескольких тысяч человек. /К. Зенкин/ ЖОСКЕН ДЕПРЕ (Josquin Despres) (ок. 1440 - 27 VIII 1521, Конде-сюр-л'Эско) Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в. Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем. Первое документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г. Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы. Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно 60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца миг участвовать в ее исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов светского общества. В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно, что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г. эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в начале 1505 г. Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой. Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые известные - _Вооруженный человек, Pange lingua_ и _Месса о благословенной Деве_), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты - т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на народные песню и танец. Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф. Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем: _Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы, наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты_. /С. Лебедев/ ЖУБАНОВА Газиза Ахметовна (р. 2 XII 1927, колхоз Жана-Турмыс Актюбинской обл.) Существует такое изречение: "Философия начинается с удивления". А если человек, тем более композитор, не испытывает удивления, радости открытия, он многое теряет в поэтическом осмыслении мира. Г. Жубанова Г. Жубанову по праву можно назвать лидером композиторской школы Казахстана. Она также вносит значительный вклад в современную казахскую музыкальную культуру своей научной, педагогической и общественной деятельностью. Основы музыкального воспитания заложил отец будущего композитора - академик А. Жубанов, один из основоположников казахской советской музыки. Формирование самостоятельного музыкального мышления произошло в студенческие и аспирантские годы (училище им. Гнесиных, 1945-49 и Московская консерватория, 1949-57). Напряженные творческие опыты вылились в скрипичный Концерт (1958), который открыл первую страницу истории этого жанра в республике. Сочинение показательно тем, что в нем ярко проявилась концепция всего последующего творчества: отклик на извечные вопросы бытия, жизнь духа, преломленные сквозь призму современного музыкального языка в органичном сочетании с художественным переосмыслением традиционного музыкального наследия. Жанровый спектр творчества Жубановой многообразен. Ею созданы 3 оперы, 4 балета, 3 симфонии, 3 концерта, 6 ораторий, 5 кантат, свыше 30 произведений камерной музыки, песенные и хоровые сочинения, музыка к спектаклям и кинофильмам. Большинству из этих опусов присущи философская глубина и поэтическое осмысление мира, который в сознании композитора не ограничен пространственно-временными рамками. Художественная мысль автора обращается как в глубь времен, так и к актуальным проблемам современности. Вклад Жубановой в современную казахскую культуру огромен. Она не только использует или продолжает сложившуюся в течение многих веков национальную музыкальную традицию своего народа, но и сама существенно влияет на формирование ее новых признаков, адекватных этническому сознанию казахов конца XX в.; сознанию, не замкнутому в своем Пространстве, а включенному в общечеловеческий мировой Космос. Поэтический мир Жубановой - это мир Социума и мир Этоса, с его противоречиями и ценностями. Таковы обобщенно-эпический струнный Квартет (1973); Вторая симфония с ее противостоянием двух антимиров - красоты человеческого _Я_ и социальных бурь (1983); фортепианное Трио _Памяти Юрия Шапорина_, где образы Учителя и художественного _Я_ построены на ярком психологическом параллелизме (1985). Будучи глубоко национальным композитором, Жубанова сказала свое слово большого мастера в таких сочинениях, как симфоническая поэма _Аксак-Кулан_ (1954), оперы _Енлик и Кебек_ (по одноим. драме М. Ауэзова, 1975) и _Курмангазы_ (1986), симфония _Жигер_ (_Энергия_, памяти отца, 1973), оратория _Письмо Татьяны_ (на ст. и песни Абая, 1983), кантата _Сказ о Мухтаре Ауэзове_ (1965), балет _Карагоз_ (1987) и др. Помимо плодотворного диалога с традиционной культурой, композитор представила яркие образцы обращения к современной тематике с ее трагическими и незабываемыми страницами: камерно-инструментальная поэма _Толгау_ (1973) посвящена памяти Алии Молдагуловой; опера _Двадцать восемь_ (_За нами Москва_) - подвигу панфиловцев (1981); в балетах _Акканат_ (_Легенда о белой птице_, 1966) и _Хиросима_ (1966) выражена боль трагедии японского народа. Духовная сопричастность нашей эпохе с ее катаклизмами и величием идей отразилась в трилогии о В. И. Ленине - оратория _Ленин_ (1969) и кантаты _Аральская быль_ (_Письмо Ленина_, 1978), _Ленин с нами_ (1970). Жубанова успешно сочетает творческую работу с активной общественной и педагогической деятельностью. Будучи ректором АлмаАтинской консерватории (1975-87), она много сил отдала воспитанию современной плеяды талантливых казахских композиторов, музыковедов, исполнителей. В течение многих лет Жубанова является членом правления Комитета советских женщин, а в 1988 г. избрана членом Советского фонда милосердия. Широта проблем, которая проявляется в творчестве Жубановой, находит отражение и в сфере ее научных интересов: в публикациях статей и очерков, в выступлениях на всесоюзных и международных симпозиумах в Москве, Самарканде, Италии, Японии и др. И все же главным для нее является вопрос о путях дальнейшего развития культуры Казахстана. _Истинная традиция живет в развитии_, - в этих словах выражена и гражданская, и творческая позиция Газизы Жубановой, человека с удивительно добрым взглядом и в жизни, и в музыке. /С. Амангильдина/ ЗАРИНЬ Маргер Оттович (р. 24 V 1910 - Яунпиебалга) _Мы можем гордиться, что принадлежим к самой прогрессивной, самой могучей музыкальной семье в мире, что мы тесно сблизились с народом_, - считает выдающийся латышский композитор М. Заринь. Страстная любовь к Родине, к своему народу пронизывает все его творчество, известное в нашей стране и за рубежом. Среди основных произведений композитора 7 опер, 10 вокально-симфонических и вокально-инструментальных произведений, 12 инструментальных концертов, 23 кантаты и хора, музыка к более 50 спектаклям и 20 кинофильмам. Заринь рос в музыкальной семье. Его отец (сельский учитель) был хорошим органистом. Мать пела в хоре Рижского оперного театра, часто выступала солисткой в концертах. Неудивительно, что с ранних лет мальчик горячо полюбил музыку. Его первым учителем по органу и фортепиано был отец. Благодаря своим выдающимся способностям и завидному трудолюбию в 13 лет Маргер становится студентом Рижской консерватории по классу фортепиано. Однако вскоре он должен был прекратить занятия и вернуться домой: семья не имела средств для его обучения в Риге. В 1929 г. Маргер окончил педагогический институт в Елгаве и, получив диплом школьного учителя, снова приехал в Ригу. Работая в вечерней школе, он в то же время занимался в консерватории по трем специальностям: композиции (в классе Я. Витолса), органа и фортепиано. Первое произведение Зариня - хоровая песня _Радость_ на собственные стихи