дети получили самое блестящее образование. Лучшие учителя Берлина прививали им вкус к классической литературе, истории, языкам. Мейербер в совершенстве владел французским и итальянским, знал греческий, латынь, еврейский языки. Одаренными были и братья Джакомо: Вильгельм стал впоследствии известным астрономом, младший брат, рано умерший, был талантливым поэтом, автором трагедии _Струэнзе_, к которой Мейербер впоследствии написал музыку. Джакомо, старший из братьев, начал учиться музыке с 5 лет. Сделав громадные успехи, в 9 лет он выступает в публичном концерте с исполнением Концерта ре минор Моцарта. Его учителем становится знаменитый М. Клементи, а прославленный органист и теоретик аббат Фоглер из Дармштадта, прослушав маленького Мейербера, советует ему заниматься контрапунктом и фугой у своего ученика А. Вебера. Позже Фоглер сам приглашает Мейербера в Дармштадт (1811), куда к знаменитому педагогу съезжались ученики со всех концов Германии. Там Мейербер подружился с К. М. Вебером - будущим автором _Волшебного стрелка_ и _Эврианты_. Среди первых самостоятельных опытов Мейербера - кантата _Бог и природа_ и 2 оперы: _Клятва Иевфая_ на библейский сюжет (1812) и комическая, на сюжет сказки из _Тысячи и одной ночи, Хозяин и гость_ (1813). Оперы были поставлены в Мюнхене и Штутгарте и успеха не имели. Критика упрекала композитора в сухости и отсутствии мелодического дара. Вебер утешал упавшего духом друга, а опытный А. Сальери посоветовал ему поехать в Италию, чтобы воспринять у ее великих мастеров грацию и красоту мелодий. В Италии Мейербер проводит несколько лет (1816-24). На сценах итальянских театров царит музыка Дж. Россини, с триумфом проходят премьеры его опер _Танкред_ и _Севильский цирюльник_. Мейербер стремится усвоить новую манеру письма. В Падуе, Турине, Венеции, Милане идут его новые оперы - _Ромильда и Констанца_ (1817), _Узнанная Семирамида_ (1819), _Эмма Ресбургская_ (1819), _Маргарита Анжуйская_ (1820), _Изгнанник из Гренады_ (1822) и, наконец, самая яркая опера тех лет _Крестоносец в Египте_ (1824). Она имеет успех не только в Европе, но и в США, в Бразилии, некоторые отрывки из нее становятся популярными. _Я не хотел подражать Россини_, - утверждает и как бы оправдывается Мейербер, - _и писать по-итальянски, как это утверждают, но должен был так писать... в силу своего внутреннего влечения_. Действительно, многие немецкие друзья композитора - и в первую очередь Вебер - не приветствовали эту итальянскую метаморфозу. Скромный успех итальянских опер Мейербера в Германии не обескураживал композитора. У него появилась новая цель: Париж - крупнейший в то время политический и культурный центр. В 1824 г. в Париж Мейербера приглашает не кто иной, как маэстро Россини, не подозревавший тогда, что делает шаг, роковой для своей славы. Он даже способствует постановке _Крестоносца_ (1825), покровительствуя молодому композитору. В 1827 г. Мейербер переселяется в Париж, где находит свою вторую родину и где к нему приходит мировая слава. В Париже конца 1820-х гг. бурлила политическая и художественная жизнь. Приближалась буржуазная революция 1830 г. Либеральная буржуазия исподволь готовила ликвидацию Бурбонов. Имя Наполеона окружено романтическими легендами. Распространяются идеи утопического социализма. Молодой В. Гюго в знаменитом предисловии к драме _Кромвель_ провозглашает идеи нового художественного течения - романтизма. В музыкальном театре наряду с операми Э. Мегюля и Л. Керубини особенно популярны сочинения Г. Спонтини. Созданные им образы древних римлян в сознании французов перекликаются с героями наполеоновской эпохи. Звучат комические оперы Дж. Россини, Ф. Буальдье, Ф. Обера. Г. Берлиоз пишет свою новаторскую _Фантастическую симфонию_. В Париж съезжаются прогрессивные литераторы других стран - Л. Берне, Г. Гейне. Мейербер внимательно наблюдает парижскую жизнь, завязывает артистические и деловые контакты, посещает театральные премьеры, среди которых звучат два этапных для романтической оперы сочинения - _Немая из Портичи (Фенелла)_ Обера (1828) и _Вильгельм Телль_ Россини (1829). Знаменательной стала встреча композитора с будущим либреттистом Э. Скрибом, превосходным знатоком театра и вкусов публики, мастером сценической интриги. Результатом их сотрудничества стала романтическая опера _Роберт-дьявол_ (1831), имевшая ошеломляющий успех. Яркие контрасты, живое действие, эффектные вокальные номера, оркестровая звукопись - все это становится характерным и для других опер Мейербера. Триумфальная премьера _Гугенотов_ (1836) окончательно подавляет всех его соперников. Громкая слава Мейербера проникает и на его родину - в Германию. В 1842 г. прусский король Фридрих-Вильгельм IV приглашает его генераль-музикдиректором в Берлин. В Берлинской опере Мейербер принимает к постановке _Летучего голландца_ Р. Вагнера (дирижирует автор), приглашает в Берлин Берлиоза, Листа, Г. Маршнера, интересуется музыкой М. Глинки и исполняет трио из _Ивана Сусанина_. В свою очередь Глинка пишет: _Оркестром управлял Мейербер, а надо сознаться, что он отличнейший капельмейстер во всех отношениях_. Для Берлина композитор пишет оперу _Лагерь в Силезии_ (главную партию исполняет знаменитая Ж. Линд), в Париже ставятся _Пророк_ (1849), _Северная звезда_ (1854), Динара (1859). Последняя опера Мейербера _Африканка_ увидела сцену через год после его смерти - в 1865 г. В своих лучших сценических произведениях Мейербер выступает как крупнейший мастер. Первоклассное музыкальное дарование, особенно в области оркестровки и мелодии, не отрицали даже его оппоненты Р. Шуман и Р. Вагнер. Виртуозное владение оркестром позволяет ему достигать тончайших живописных и ошеломляющих драматических эффектов (сцена в соборе, эпизод сна, коронационный марш в опере _Пророк_ или освящение мечей в _Гугенотах_). Не меньшее мастерство и во владении хоровыми массами. Влияние творчества Мейербера испытали многие его современники, в т. ч. и Вагнер в операх _Риенци, Летучий голландец_ и отчасти - в _Тангейзере_. Современников захватывала также политическая направленность опер Мейербера. В псевдоисторических сюжетах они видели борьбу идей сегодняшнего дня. Композитор сумел тонко почувствовать эпоху. Гейне, с энтузиазмом воспринимавший творчество Мейербера, писал: _Это человек своего времени, и время, которое всегда умеет выбирать своих людей, шумно подняло его на щит и провозгласило его господство_. /Е. Ильева/ МЕНДЕЛЬСОН-БАРТОЛЬДИ (Mendelssohn-Bartholdy) (Якоб Людвиг) Феликс (3 II 1809, Гамбург - 4 XI 1847, Лейпциг) Это Моцарт девятнадцатого столетия, самый светлый музыкальный талант, который яснее всех постигает противоречия эпохи и лучше всех примиряет их. Р. Шуман Ф. Мендельсон-Бартольди - немецкий композитор шумановского поколения, дирижер, педагог, пианист, музыкальный просветитель. Его многообразная деятельность была подчинена самым благородным и серьезным целям - она способствовала подъему музыкальной жизни Германии, укреплению ее национальных традиций, воспитанию просвещенной публики и образованных профессионалов. Мендельсон родился в семье с давними культурными традициями. Дед будущего композитора - известный философ; отец - глава банкирского дома, человек просвещенный, тонкий ценитель искусств - дал своему сыну прекрасное образование. В 1811г. семья переехала в Берлин, где Мендельсон берет уроки у самых авторитетных педагогов - Л. Бергера (фортепиано), К. Цельтера (композиция). В доме Мендельсонов бывали Г. Гейне, Ф. Гегель, Т. А. Гофман, братья Гумбольдты, К. М. Вебер. Игру двенадцатилетнего пианиста слушал И. В. Гете. Встречи с великим поэтом в Веймаре остались самыми прекрасными воспоминаниями юных лет. Общение с серьезными художниками, разнообразные музыкальные впечатления, посещение лекций в Берлинском университете, высокопросвещенная среда, в которой рос Мендельсон, - все способствовало быстрому профессиональному и духовному становлению. С 9 лет Мендельсон выступает на концертной эстраде, в начале 20-х гг. появляются первые его сочинения. Уже в юности началась просветительская деятельность Мендельсона. Исполнение под его управлением _Страстей по Матфею_ И. С. Баха (1829) стало историческим событием в музыкальной жизни Германии, послужило толчком к возрождению творчества Баха. В 1833-36 гг. Мендельсон занимает пост музик-директора в Дюссельдорфе. Желание поднять уровень исполнения, пополнить репертуар классическими произведениями (оратории Г. Ф. Генделя и И. Гайдна, оперы В. А. Моцарта, Л. Керубини) натолкнулось на равнодушие городских властей, косность немецкого бюргерства. Деятельность Мендельсона в Лейпциге (с 1836 г.) на посту дирижера оркестра Гевандхауз способствовала новому расцвету музыкальной жизни города, уже в XVIII в. прославленного своими культурными традициями. Мендельсон стремился привлечь внимание слушателей к величайшим произведениям искусства прошлого (оратории Баха, Генделя, Гайдна, Торжественная месса и Девятая симфония Бетховена). Просветительские цели преследовал и цикл исторических концертов - своеобразная панорама развития музыки от Баха до современных Мендельсону композиторов. В Лейпциге Мендельсон дает концерты фортепианной музыки, исполняет органные произведения Баха в церкви Св. Фомы, где 100 лет назад служил _великий кантор_. В 1843 г. по инициативе Мендельсона в Лейпциге открылась первая в Германии консерватория, по образцу которой были созданы консерватории в других немецких городах. В лейпцигские годы творчество Мендельсона достигло наивысшего расцвета, зрелости, мастерства (Скрипичный концерт, _Шотландская_ симфония, музыка к _Сну в летнюю ночь_ В. Шекспира, последние тетради _Песен без слов_, оратория _Илия_ и др.). Постоянное напряжение, интенсивность исполнительской и педагогической деятельности исподволь подтачивали силы композитора. Тяжелое переутомление, потери близких людей (внезапная смерть сестры Фанни) приблизили кончину. Мендельсон умер в возрасте 38 лет. Мендельсона привлекали различные жанры и формы, исполнительские средства. С равным мастерством писал он для симфонического оркестра и фортепиано, хора и органа, камерного ансамбля и голоса, обнаруживая подлинную универсальность дарования, высочайший профессионализм. В самом начале творческого пути, в возрасте 17 лет Мендельсон создает увертюру _Сон в летнюю ночь_ - произведение, поразившее современников органичностью замысла и воплощения, зрелостью композиторской техники и свежестью, богатством фантазии. _Расцвет юности чувствуется здесь, как, может быть, ни в каком другом произведении композитора, - законченный мастер в счастливую минуту совершил свой первый взлет_. В одночастной программной увертюре, возникшей под впечатлением комедии Шекспира, определились грани музыкально-поэтического мира композитора. Это светлая фантастика с оттенком скерцозности, полета, причудливой игры (фантастические танцы эльфов); лирические образы, сочетающие романтическую увлеченность, взволнованность и ясность, благородство выражения; образы народно-жанровые и картинные, эпические. Созданный Мендельсоном жанр концертной программной увертюры получил развитие в симфонической музыке XIX в. (Г. Берлиоз, Ф. Лист, М. Глинка, П. Чайковский). В начале 40-х гг. Мендельсон вернулся к шекспировской комедии и написал музыку к спектаклю. Лучшие номера составили оркестровую сюиту, прочно утвердившуюся, в концертном репертуаре (Увертюра, Скерцо, Интермеццо, Ноктюрн, Свадебный марш). Содержание многих произведений Мендельсона связано с непосредственными жизненными впечатлениями от путешествий в Италию (солнечная, пронизанная южным светом и теплом _Итальянская симфония_ - 1833), а также в северные страны - Англию и Шотландию (образы морской стихии, северного эпоса в увертюрах _Фингалова пещера (Гебриды), Морская тишь и счастливое плавание_ (обе 1832), в _Шотландской_ симфонии (1830-42). Основу фортепианного творчества Мендельсона составили _Песни без слов_ (48 пьес, 1830-45) - замечательные образцы лирической миниатюры, нового жанра романтической фортепианной музыки. В противовес распространившемуся в то время эффектному бравурному пианизму Мендельсон создает пьесы в камерном стиле, выявляя прежде всего кантиленные, певучие возможности инструмента. Привлекала композитора и стихия концертной игры - виртуозный блеск, праздничность, приподнятость отвечали его артистической природе (2 концерта для фортепиано с оркестром, Блестящее каприччио, Блестящее рондо и др.). Знаменитый Скрипичный концерт ми минор (1844) вошел в классический фонд жанра наряду с концертами П. Чайковского, И. Брамса, А. Глазунова, Я. Сибелиуса. Оратории _Павел, Илия_, кантата _Первая Вальпургиева ночь_ (по Гете) внесли значительный вклад в историю кантатно-ораториальных жанров. Развитие исконных традиций немецкой музыки продолжили прелюдии и фуги Мендельсона для органа. Многие хоровые произведения композитор предназначал для любительских хоровых обществ Берлина, Дюссельдорфа и Лейпцига; а камерные сочинения (песни, вокальные и инструментальные ансамбли) - для любительского, домашнего музицирования, во все времена чрезвычайно популярного в Германии. Создание такой музыки, обращенной к просвещенным любителям, а не только к профессионалам, способствовало осуществлению главной творческой цели Мендельсона - воспитанию вкусов публики, активному приобщению ее к серьезному, высокохудожественному наследию. /И. Охалова/ МЕНОТТИ (Menotti) Джан Карло (р. 7 VII 1911, Кадельяно, Италия) Творчество Дж. Менотти - одно из самых заметных явлений в американской опере послевоенных десятилетий. Этого композитора не назовешь открывателем новых музыкальных миров, его сила - в умении почувствовать, какие требования тот или иной сюжет предъявляет к музыке и, пожалуй, самое главное - как эта музыка будет восприниматься людьми. Менотти мастерски владеет искусством оперного театра как единым целым: он всегда сам пишет либретто своих опер, часто ставит их как режиссер и руководит исполнением как блестящий дирижер. Менотти родился в Италии (он итальянец по национальности). Его отец был бизнесмен, а мать - пианистка-любительница. В 10 лет мальчик написал оперу, а в 12 поступил в Миланскую консерваторию (где учился с 1923 по 1927 г.). Дальнейшая жизнь Менотти (с 1928 г.) связана с Америкой, хотя еще долго композитор сохранял итальянское гражданство. С 1928 по 1933 г. он совершенствовал свою композиторскую технику под руководством Р. Скалеро в Музыкальном институте Кертис в Филадельфии. В его стенах завязалась тесная дружба с С. Барбером - впоследствии видным американским композитором (Менотти станет автором либретто одной из опер Барбера). Нередко друзья во время летних каникул вместе ездили в Европу, посещая оперные театры Вены и Италии. В 1941 г. Менотти снова пришел в институт Кертис - теперь уже в качестве преподавателя композиции и искусства музыкальной драматургии. Не прервалась и связь с музыкальной жизнью Италии, где Менотти в 1958 г. организовал _Фестиваль двух миров_ (в Сполето) для американских и итальянских певцов. Менотти-композитор дебютировал в 1936 г. оперой _Амелия едет на бал_. Первоначально она была написана в жанре итальянской оперы-buffa, а затем переведена на английский язык. Успешный дебют повлек за собой новый заказ - на этот раз от компании NBC, на радиооперу _Старая дева и вор_ (1938). Начав свой путь оперного композитора с сюжетов развлекательно-анекдотического плана, Менотти обратился вскоре и к драматическим темам. Правда, первая его попытка в этом роде (опера _Бог острова_, 1942) была неудачной. Но уже в 1946 г. появилась опера-трагедия _Медиум_ (спустя несколько лет она была экранизирована и получила премию на Каннском кинофестивале). И наконец, в 1950 г. увидело свет лучшее произведение Менотти - музыкальная драма _Консул_ - его первая _большая_ опера. Ее действие происходит в наше время в одной из европейских стран. Бессилие, одиночество и беззащитность перед лицом всевластного бюрократического аппарата приводит героиню к самоубийству. Напряженность действия, эмоциональная наполненность мелодий, относительная простота и доступность музыкального языка сближают эту оперу с творчеством последних великих итальянцев (Дж. Верди, Дж. Пуччнни) и композиторов-веристов (Р. Леонкавалло, П. Масканьи). Чувствуется влияние и музыкальной декламации М. Мусоргского, а звучащие кое-где джазовые интонации указывают на принадлежность музыки к нашему веку. Эклектичность оперы (пестрота ее стиля) несколько сглаживается отличным чувством театра (всегда присущим Менотти) и экономным использованием выразительных средств: даже оркестр в его операх заменяется ансамблем из нескольких инструментов. Во многом благодаря политической теме _Консул_ приобрел необычайную популярность: на Бродвее он шел 8 раз в неделю, ставился в 20 странах мира, (в т. ч. и в СССР), был переведен на 12 языков. К трагедии простых людей композитор вновь обратился в операх _Святая с Бликер-стрит_ (1954) и _Мария Головина_ (1958). Действие оперы _Самый важный человек_ (1971) происходит на юге Африки, ее герой - молодой ученый-негр - гибнет от руки расистов. Насильственной смертью завершается опера _Таму-Таму_ (1972), что по-индонезийски означает гости. Эта опера была написана по заказу организаторов Международного конгресса антропологов и этнологов. Однако трагедийная тема вовсе не исчерпывает творчества Менотти. Сразу после оперы _Медиум_, в 1947 г., создается веселая комедия _Телефон_. Это очень коротенькая опера, где только три действующих лица: Он, Она и Телефон. Вообще сюжеты опер Менотти отличаются исключительным разнообразием. Телеопера _Амал и ночные гости_ (1951) написана по мотивам картины И. Босха _Поклонение волхвов_ (сложилась традиция ее ежегодного показа на Рождество). Музыка этой оперы настолько проста, что может быть рассчитана и на любительское исполнение. Кроме оперы, своего основного жанра, Менотти написал 3 балета (в т. ч. комический балет-мадригал _Единорог, Горгона и Мантикор_, созданный в духе спектаклей эпохи Возрождения), кантату _Смерть епископа на Бриндизи_ (1963), симфоническую поэму для оркестра _Апокалипсис_ (1951), концерты для фортепиано (1945), скрипки (1952) с оркестром и Тройной концерт для трех исполнителей (1970), камерные ансамбли, Семь песен на собственный текст для выдающейся певицы Э. Шварцкопф. Внимание к человеку, к естественному мелодическому пению, использование эффектных театральных ситуаций позволило Менотти занять видное место в современной американской музыке. /К. Зенкин/ МЕССИАН (Messiaen) Оливье (Эжен Проспер Шарль) (р. 10 XII 1908, Авиньон) ...Таинство, Лучи света в ночи, Отражение радости, Птицы безмолвия... О. Мессиан Французский композитор О. Мессиан по праву занимает одно из почетных мест в истории музыкальной культуры XX в. Он родился в интеллигентной семье. Отец - ученый-лингвист, фламандец, мать - известная южнофранцузская поэтесса Сесиль Соваж. В 11 лет Мессиан покинул родной город и уехал учиться в Парижскую консерваторию - игре на органе (М. Дюпре), сочинению (П. Дюка), истории музыки (М. Эммануэль). Окончив консерваторию (1930), Мессиан занял место органиста парижской церкви Св. Троицы. В 1936-39 гг. он преподавал в Ecole Normale de Musique, затем в Schola cantorum, с 1942 г. преподает в Парижской консерватории (гармония, музыкальный анализ, музыкальная эстетика, музыкальная психология, с 1966 г. - профессор композиции). В 1936 г. Мессиан совместно с И. Бодрие, А. Жоливе и Д. Лесюром образовал группу _Молодая Франция_, стремившуюся к развитию национальных традиций, к непосредственной эмоциональности и чувственной полноте музыки. _Молодая Франция_ отвергла пути и неоклассицизма, и додекафонии, и фольклоризма. С началом войны Мессиан ушел солдатом на фронт, в 194041 гг. был в немецком лагере для военнопленных в Силезии; там был сочинен _Квартет на конец времени_ для скрипки, виолончели, кларнета и фортепиано (1941) и там же состоялось его первое исполнение. В послевоенное время Мессиан добивается всемирного признания как композитор, выступает как органист и как пианист (часто вместе с пианисткой Ивонной Лорио, его ученицей и спутницей жизни), пишет ряд работ по теории музыки. Среди учеников Мессиана - П. Булез, К. Штокхаузен, Я. Ксенакис. Эстетика Мессиана развивает основной принцип группы _Молодая Франция_, призывавшей возвратить музыке непосредственность выражения чувств. В числе стилевых истоков своего творчества сам композитор называет помимо французских мастеров (К. Дебюсси) григорианский хорал, русские песни, музыку восточной традиции (в частности, Индии), пение птиц. Сочинения Мессиана пронизаны светом, таинственным сиянием, они искрятся блеском ярких звуковых красок, контрастами простой, но утонченной по интонации песни и сверкающих _космических_ протуберанцев, всплесков кипящей энергии, безмятежных голосов птиц, даже птичьих хоров и экстатического безмолвия души. В мире Мессиана нет места бытовым прозаизмам, напряжению и конфликтам человеческих драм; даже суровые, ужасные образы величайшей из войн никак не запечатлелись в музыке _Квартета на конец времени_. Отвергая низкую, будничную сторону действительности, Мессиан хочет утвердить противостоящие ей традиционные ценности красоты и гармонии, высокой духовной культуры, причем не _реставрируя_ их посредством какой-то стилизации, а щедро используя современную интонационность и соответствующие средства музыкального языка. Мессиан мыслит _вечными_ образами католической ортодоксии и пантеистически окрашенного космологизма. Утверждая мистическое предназначение музыки как _акта веры_, Мессиан дает своим сочинениям религиозные названия: _Видение Аминя_ для двух фортепиано (1943), _Три маленькие литургии божественному присутствию_ (1944), _Двадцать взглядов на младенца Иисуса_ для фортепиано (1944), _Месса на Пятидесятницу_(1950), оратория _Преображение господа нашего Иисуса Христа_ (1969), _Чаю воскресения мертвых_ (1964, к 20-летию окончания второй мировой войны). Даже птицы с их пением - голос природы - истолковываются Меесианом мистически, они - _служители нематериальных сфер_; таково значение птичьего пения в сочинениях _Пробуждение птиц_ для фортепиано с оркестром (1953); _Экзотические птицы_ для фортепиано, ударных и камерного оркестра (1956); _Каталог птиц_ для фортепиано (1956-58), _Черный дрозд_ для флейты и фортепиано (1951). Ритмически изощренный _птичий_ стиль встречается и в других сочинениях. Нередки у Мессиана и элементы числовой символики. Так, _троичность_ пронизывает _Три маленькие литургии_ - 3 части цикла, каждая трехчастна, трижды три тембро-инструментальных единицы, унисонный женский хор иногда делится на 3 партии. Однако характер музыкальной образности Мессиана, свойственные его музыке французская чувственность, часто _острая, горячая_ экспрессия, трезвый технический расчет современного композитора, устанавливающего автономно-музыкальную структуру своего сочинения,- все это входит в известное противоречие с ортодоксальностью названий сочинений. Притом религиозные сюжеты встречаются лишь в части произведений Мессиана (он сам находит у себя чередование музыки _чистой, светской и теологической_). Другие стороны его образного мира запечатлены в таких сочинениях, как симфония _Турангалила_ для фортепиано и волн Мартено с оркестром (_Песнь любви, гимн радости времени, движению, ритму, жизни и смерти_, 1946-48); _Хронохромия_ для оркестра (1960); _Из ущелья к звездам_ для фортепиано, валторны с оркестром (1974); _Семь хайку_ для фортепиано с оркестром (1962); _Четыре ритмических этюда_ (1949) и _Восемь прелюдий_ (1929) для фортепиано; Тема с вариациями для скрипки и фортепиано (1932); вокальный цикл _Ярави_ (1945, в перуанском фольклоре ярави - песнь любви, которая заканчивается только со смертью влюбленных); _Празднество прекрасных вод_ (1937) и _Две монодии в четвертитонах_ (1938) для волн Мартено; _Два хора о Жанне д'Арк_ (1941); _Кантейоджая_, ритмический этюд для фортепиано (1948); _Тембры-длительности_ (конкретная музыка, 1952), опера _Святой Франциск Ассизский_ (1984). Как теоретик музыки Мессиан опирался главным образом на свое творчество, но также и на творчество других композиторов (в т. ч. русских, в частности, И. Стравинского), на григорианский хорал, русский фольклор, на воззрения индийского теоретика XIII в. Шарнгадевы. В книге _Техника моего музыкального языка_ (1944) он изложил важную для современной музыки теорию модальных ладов ограниченной транспозиции и утонченную систему ритмов. Музыка Мессиана органично осуществляет и связь времен (вплоть до средневековья) и синтез культур Запада и Востока. /Ю. Холопов/ МЕТНЕР Николай Карлович (5 I 1880, Москва - 13 XI 1951, Лондон) Я наконец в искусстве безграничном Достигнул степени высокой. Слава мне улыбнулась; я в сердцах людей Нашел созвучия своим созданьям. А. Пушкин. Моцарт и Сальери Н. Метнер занимает особое место в истории русской и мировой музыкальной культуры. Художник самобытной индивидуальности, замечательный композитор, пианист и педагог, Метнер не примыкал ни к одному из музыкальных стилей, характерных для первой половины XX в. Приближаясь отчасти к эстетике немецких романтиков (Ф. Мендельсон, Р. Шуман), а из русских композиторов - к С. Танееву и А. Глазунову, Метнер был вместе с тем художником, устремленным к новым творческим горизонтам, его многое роднит с гениальным новаторством И. Стравинского и С. Прокофьева. Метнер происходил из семьи, богатой художественными традициями: мать - представительница знаменитого музыкального рода Гедике; брат Эмилий был философом, литератором, музыкальным критиком (псевд. Вольфинг); другой брат, Александр, - скрипачом и дирижером. В 1900 г. Н. Метнер блистательно окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано В. Сафонова. Одновременно он изучал и композицию под руководством С. Танеева и А. Аренского. Его имя записано на мраморную доску Московской консерватории. Творческий путь Метнер начал успешным выступлением на III Международном конкурсе им. А. Рубинштейна (Вена, 1900) и первыми же своими сочинениями завоевал признание как композитор (фортепианный цикл _Картины настроений_ и др.). Голос Метнера - пианиста и композитора - был сразу услышан наиболее чуткими музыкантами. Наряду с концертами С. Рахманинова и А. Скрябина авторские концерты Метнера являлись событиями музыкальной жизни как в России, так и за рубежом. М. Шагинян вспоминала, что эти вечера _были для слушателей праздником_. В 1909-10 и 1915-21 гг. Метнер был профессором Московской консерватории по классу фортепиано. Среди его учеников - многие известные впоследствии музыканты: A. Шацкес, Н. Штембер, Б. Хайкин. Советами Метнера пользовались B. Софроницкий, Л. Оборин. В 20-х гг. Метнер состоял членом МУЗО Наркомпроса и часто общался с А. Луначарским. С 1921 г. Метнер живет за рубежом, концертирует в странах Европы и в США. Последние годы жизни вплоть до своей кончины он прожил в Англии. Все годы, проведенные за рубежом, Метнер оставался русским художником. _Мечтаю попасть на родную почву и поиграть перед родной аудиторией_, - писал он в одном из последних своих писем. Творческое наследие Метнера охватывает более 60 опусов, большинство из которых представлено фортепианными сочинениями и романсами. Дань крупной форме Метнер отдал в своих трех фортепианных концертах и в Концерте-балладе, камерно-инструментальный жанр представлен фортепианным Квинтетом. В своих произведениях Метнер является глубоко самобытным и истинно национальным художником, чутко отразившим сложные художественные веяния своей эпохи. Его музыке присуще ощущение духовного здоровья и верности лучшим заветам классики, хотя композитору довелось преодолеть немало сомнений и выражаться порой усложненным языком. Здесь напрашивается параллель между Метнером и такими поэтами его эпохи, как А. Блок и Андрей Белый. Центральное место в творческом наследии Метнера занимают 14 фортепианных сонат. Поражающие вдохновенной изобретательностью, они заключают в себе целый мир психологически углубленных музыкальных образов. Им свойственна широта контрастов, романтическая взволнованность, внутренне сосредоточенное и вместе с тем душевно согретое раздумье. Некоторые из сонат носят программный характер (_Соната-элегия, Соната-сказка, Соната-воспоминание, Романтическая соната, Грозовая соната_ и др.), все они очень разнообразны по форме и музыкальной образности. Так, например, если одна из самых значительных эпических сонат (ор. 25 Э 2) является истинной драмой в звуках, грандиозной музыкальной картиной претворения философского стихотворения Ф. Тютчева _О чем ты воешь, ветр ночной_, то _Соната-воспоминание_ (из цикла _Забытые мотивы_ ор. 38) проникнута поэзией задушевной русской песенности, нежной лирикой души. Очень популярна группа фортепианных сочинений, названная _сказками_ (жанр, созданный Метнером) и представленная десятью циклами. Это собрание лирико-повествовательных и лирико-драматических пьес с самой разнообразной тематикой (_Русская сказка, Лир в степи, Рыцарское шествие_ и т. п.). Не менее известны 3 цикла фортепианных пьес под общим названием _Забытые мотивы_. Монументальны и приближаются к симфониям фортепианные концерты Метнера, лучшим из них является Первый (1921), образы которого навеяны грозными потрясениями первой мировой войны. Романсы Метнера (более 100) разнообразны по настроению и очень выразительны, чаще всего это сдержанная лирика углубленно философского содержания. Написаны они обычно в форме лирического монолога, раскрывающего душевный мир человека; многие посвящены картинам природы. Любимыми поэтами Метнера были А. Пушкин (32 романса), Ф. Тютчев (15), И. В. Гете (30). В романсах на слова этих поэтов особенно рельефно выступают оригинально развиваемые композитором такие новые черты камерной вокальной музыки начала XX в., как тонкая передача речевой декламации и огромное, подчас решающее значение роли фортепианной партии. Метнер известен не только как музыкант, но и как автор книг о музыкальном искусстве: _Муза и мода_ (1935) и _Повседневная работа пианиста и композитора_ (1963). Творческие и исполнительские принципы Метнера оказали значительное влияние на музыкальное искусство XX в. Его традиции развивали я развивают многие видные деятели музыкального искусства: А. Н. Александров, Ю. Шапорин, В. Шебалин, Е. Голубев и др. Музыку Метнера исполняли и исполняют крупнейшие музыканты: С. Рахманинов, С. Кусевицкий, М. Оленина-д'Альгейм, Г. Нейгауз, С. Рихтер, И. Архипова, Е. Светланов и др. Путь отечественной и современной мировой музыки так же невозможно представить себе без Метнера, как невозможно представить его себе без его великих современников С. Рахманинова, А. Скрябина, И. Стравинского и С. Прокофьева, /О. Томпаков а/ МИЙО (Milhaud) Даркюс (4 IV 1892, Экс-ан-Прованс - 22 VI 1974, Женева) Многие награждали его титулом гения, а многие считали шарлатаном, чья главная цель была "эпатировать буржуа". М. Бауер Творчество Д. Мийо вписало яркую, красочную страницу во французскую музыку XX в. Оно броско и отчетливо выразило мироощущение послевоенных 20-х гг., а имя Мийо оказалось в центре музыкально-критической полемики того времени. Мийо родился на юге Франции; провансальский фольклор и природа родного края навсегда запечатлелись в душе композитора и наполнили его искусство неповторимым ароматом Средиземноморья. Первые шаги в музыке были связаны со скрипкой, игре на которой Мийо обучался сначала в Эксе, а с 1909 г. в Парижской консерватории у Бертелье. Но вскоре страсть к сочинению взяла верх. Среди педагогов Мийо были П. Дюка, А. Жедальж, Ш. Видор, а также В. д'Энди (в Schola cantorum). В первых произведениях (романсах, камерных ансамблях) заметно влияние импрессионизма К. Дебюсси. Развивая французскую традицию (Г. Берлиоз, Ж. Базе, Дебюсси), Мийо оказался очень восприимчив и к русской музыке - М. Мусоргскому, И. Стравинскому. Балеты Стравинского (особенно _Весна священная_, потрясшая весь музыкальный мир) помогли молодому композитору увидеть новые горизонты. Еще в годы войны создаются 2 первые части оперно-ораториальной трилогии _Орестея: Агамемнон_ (1914) и _Хоэфоры_ (1915); 3 часть _Эвмениды_ была написана позже (1922). В трилогии композитор отказывается от импрессионистской утонченности, находит новый, более простой язык. Самым действенным выразительным средством становится ритм (так, декламация хора нередко сопровождается только ударными инструментами). Одним из первых Мийо для усиления напряженности звучания применил здесь одновременное сочетание разных тональностей (политональность). Текст трагедии Эсхила перевел и обработал видный французский драматург П. Клодель - друг и единомышленник Мийо в течение многих лет. _Я оказался на пороге жизненного а здорового искусства... в котором чувствуется высвобожденная от пут мощь, энергия, одухотворенность и нежность. Это искусство Поля Клоделя!_ - вспоминал впоследствии композитор. В 1916 г. Клоделя назначают послом в Бразилии, и Мийо в качестве личного секретаря едет с ним. Свое восхищение яркостью красок тропической природы, экзотикой и богатством латиноамериканского фольклора Мийо воплотил в _Бразильских танцах_, где политональные сочетания мелодии и аккомпанемента придают звучанию особую остроту и пряность. Балет _Человек и его желание_ (1918, сценарий Клоделя) написан под впечатлением от танца В. Нижинского, гастролировавшего в Рио-де-Жанейро с труппой русского балета С. Дягилева. Возвратившись в Париж (1919), Мийо примыкает к группе _Шести_, идейными вдохновителями которой были композитор Э. Сати и поэт Ж. Кокто. Члены этой группы выступали против преувеличенной экспрессии романтизма и импрессионистской зыбкости, за _земное_ искусство, искусство _повседневности_. В музыку молодых композиторов проникают звучания XX в.: ритмы техники и мюзик-холла. Ряд балетов, созданных Мийо в 20-х гг., объединяет дух эксцентрики, спектакля-клоунады. В балете _Бык на крыше_ (1920, сценарий Кокто), где показан американский бар в годы сухого закона, звучат мелодии современных танцев, например танго. В _Сотворении мира_ (1923) Мийо обращается к джазовому стилю, взяв за образец оркестр Гарлема (негритянский квартал Нью-Йорка), с оркестрами такого рода композитор познакомился во время гастролей в США. В балете _Салат_ (1924), возрождающем традицию комедии масок, звучит старинная итальянская музыка. Разнообразны поиски Мийо и в оперном жанре. На фоне камерных опер (_Страдания Орфея, Бедный матрос_ и др.) возвышается монументальная драма _Христофор Колумб_ (по Клоделю) - вершина творчества композитора. Большинство произведении для музыкального театра написано в 20-х гг. В это время создаются также 6 камерных симфоний, сонаты, квартеты и др. Композитор много гастролировал. В 1926 г. он посетил СССР. Его выступления в Москве и Ленинграде никого не оставили равнодушными. По словам очевидцев, _одни возмущались, другие недоумевали, третьи относились положительно, а молодежь - даже восторженно_. В 30-е гг. искусство Мийо приближается к жгучим проблемам современного мира. Вместе с Р. Ролланом. Л. Арагоном и своими друзьями - членами группы _Шести_ Мийо участвует в работе Народной музыкальной федерации (с 1936), пишет песни, хоры, кантаты для самодеятельных коллективов, широких народных масс. В кантатах он обращается к гуманистическим темам (_Смерть тирана, Кантата о мире, Кантата о войне_ и др.). Композитор также сочиняет увлекательные игры-пьесы для детей, музыку к кинофильмам. Вторжение гитлеровских войск во Францию заставило Мийо эмигрировать в США (1940), где он обратился к преподавательской деятельности в Миллс-колледже (близ Лос-Анджелеса). Став по возвращении на родину профессором Парижской консерватории (1947), Мийо не оставлял работу в Америке и регулярно ездил туда. Все больше его привлекает инструментальная музыка. После шести симфоний для камерных составов (созданных в 1917-23 гг.) он пишет еще 12 симфоний. Мийо - автор 18 квартетов, оркестровых сюит, увертюр и многочисленных концертов: для фортепиано (5), альта (2), виолончели (2), скрипки, гобоя, арфы, клавесина, ударных, маримбы и вибрафона с оркестром. Не ослабевает интерес Мийо к теме борьбы за свободу (опера _Боливар_ - 1943; Четвертая симфония, написанная к столетию революции 1848 г.; кантата _Огненный замок_ - 1954, посвященная памяти жертв фашизма, сожженных в концлагерях). Среди работ последнего тридцатилетия - сочинения в самых разных жанрах: монументальная эпическая опера _Давид_ (1952), написанная к 3000-летнему юбилею Иерусалима, опера-оратория _Святой Людовик - король Франции_ (1970, на текст Клоделя), комедия _Преступная мать_ (1965, по П. Бомарше), ряд балетов (в т. ч. _Колокола_ по Э. По), множество инструментальных произведений. Последние несколько лет Мийо провел в Женеве, продолжая сочинять и работать над завершением автобиографической книги _Моя счастливая жизнь_. /К. Зенкин/ МОЛДОБАСАНОВ Калый (р. 28 IX 1929, с. Терек, ныне Нарынской обл.) Молдобасанов - один из ведущих композиторов и музыкально-общественных деятелей Киргизии. Его наивысшие достижения связаны с жанром балета. Музыкальный язык композитора впитал в себя интонации и ритмы киргизского фольклора, древнего национального эпоса. Театральность - характернейшая черта композиторского мышления Молдобасанова - проявилась не только в его балетах, но и в произведениях других жанров - в симфонических и вокально-оркестровых сочинениях, в камерно-инструментальных пьесах и вокальных миниатюрах, а также в самом типе музыкальной драматургии. _У меня, я думаю, чувство театра наследственное... искусство отца - то главное впечатление, которое определило мою жизнь, мое дело. Рассказывал и пел он разное: и части "Манаса", особенно хорошо знал "Семетей", и "малый" эпос, сказки, истории племен... Многие драгоценные строки наших национальных сказаний были записаны от него. И от его друзей - манасчи. ...А ведь манасчи - не просто сказитель, не просто импровизатор, он непременно актер. ...Театр, в буквальном смысле слова, был неведом киргизу в дореволюционные времена, однако именно в таком опосредованном виде - через творчество манасчи - вошел издавна в жизненный опыт народа_... Любовь к народной музыке композитор бережно хранит всю жизнь. Уже в 12 лет он играл в оркестре народных инструментов Киргизской государственной филармонии. В 1945 г. он поступил в Киргизское государственное музыкально-хореографическое училище, где занимался в классах скрипки и дирижирования. В 1950 г. Молдобасанов поступил на 2 курс Московской консерватории в класс оперно-симфонического дирижирования профессора Л. Гинзбурга. По окончании консерватории в 1954 г. он возвратился во Фрунзе и начал свою дирижерскую деятельность в Киргизском театре оперы и балета. Уже первое крупное произведение Мол